"Bella, inteligente, radiante, su poesía alaba al Profeta y evoca la cultura de su tribu, Ulâad Mubârak, de Mauritania. Acompañan a su voz el Tidinît –un laud de cinco cuerdas– y el Ardin -un instrumento similar a un arpa."
El uploader original indica que el video sólo contiene el concierto, no el breve documental que se incluye en el DVD, el que menciona que es bastante malo.
Es un sólo archivo de 400 y pico megas con una excepcional calidad de imágenes y de audio.
Muy recomendado a los fans de este tipo de música. La voz de Ooleya es fantástica, con una potencia increíble, y cargada de emotividad. Antes de ver y escuchar este concierto tenía como preferida de las cantantes mauritanas a Malouma, pero ahora considero a Ooleya la número 1. Momma Mint Dendeni también es muy buena.
Este fantástico material lo encontré en el site de skafunkrastapunk.
Publicado: 1978 Grabado: 1977 Género: Soundtrack Duración: 70:36 minutos Label: Fantasy Records Productores: Saul Zaentz & Leonard Rosenman
Este soundtrack de la película animada de Ralph Bakshi "El Señor De Los Anillos" de 1978, fue compuesto por Leonard Rosenman. Fue comercializado originalmente como doble LP en 1978. En el 2001, el album se comercializó como CD, con bonus tracks.
Tracks:
Original vinyl edition: Side 1: 1.Theme from "Lord of the Rings" (02:53) 2.History of the Ring (06:32) 3.The Journey begins / Encounter with the Ringwraiths (04:33) 4.Riders of Rohan (03:45) Side 2: 1.Escape to Rivendell (06:22) 2.Mines of Moria (06:11) 3.The Battle in the Mines / The Balrog (05:11) Side 3: 1.Mithrandir (03:20) 2.Gandalf remembers (02:22) 3.Frodo disappears (02:38) 4.Following the Orcs (03:16) 5.Attack of the Orcs (04:04) Side 4: 1.Helm's Deep (07:02) 2.The Dawn Battle / Theoden's Victory (04:59) 3.The Voyage to Mordor / Theme from the "Lord of the Rings" (04:45)
CD reissue:
01.History of the Ring 02.Gandalf throws Ring (Prev. unreleased) 03.The journey begins: Encounter with the ringwraiths 04.Trying to kill hobbits (Prev. unreleased) 05.Escape to Rivendell 06.Company of the Ring (Prev. unreleased) 07.Mines of Moria 08.The battle in the mines: The Balrog 09.Mithrandir 10.Frodo disappears 11.Following the orcs 12.Fleeing orcs (Prev. unreleased) 13.Attack of the orcs 14.Gandalf remembers 15.Riders of Rohan 16.Relm's Deep 17.The dawn battle: Theoden's victory 18.The voyage to Mordor: Theme from The Lord Of The Rings
Rosenman nació el 7 de Septiembre de 1924 en Brooklyn, New York. Sus primeras inclinaciones artísticas derivaron hacia la pintura, pero pronto quedaría irremisiblemente unido a las teclas del piano. Tras servir en las Fuerzas Aéreas en la II Guerra Mundial, estudió en California con compositores como Arnold Schönberg. Su llegada al Mundo del cine fue amparada por un mito: James Dean. Rosenman escribía música de cámara y trabajaba como profesor de piano en New York cuando Dean pasó a formar parte de su alumnado y lo recomendó vivamente para elaborar la banda sonora de Al este del Edén (1955), un debut deslumbrante que sería el inicio de una gran carrera.
Paradójicamente, Rosenman obtendría sus dos oscars en la categoría de banda sonora adaptada (hoy inexistente) por su labor en Barry Lyndon (1975) y Esta tierra es mi tierra (1976). En la primera se encargó de arreglar melodías tradicionales y piezas clásicas de Händel y Schubert, y en la segunda trabajó sobre las canciones del mito de la canción de autor estadounidense Woody Guthrie.
En el currículum de Rosenman destacan otras dos candidaturas al Oscar, en la categoría de banda sonora original, por Los mejores años de mi vida (1983), y Star Trek IV: misión, salvar la Tierra (1986), y dos premios Emmy, logrados en televisión, en 1976 y 1979. Sin embargo tal vez su soundtrack más famoso sea este de "The Lord Of The Rings" de 1978. En estos días se me ocurrió recopilar la música que circula por la web sobre la Tierra Media, El Señor De Los Anillos, y otras obras de Tolkien y armar un CD de mp3 (ya tengo como para un CD y medio por lo menos). Este soundtrack lo encontré en el foro:
Así que con la info e imágenes, encontrados aquí y allí en la web, y con el link encontrado en sarajevo-x armé este post para los fans, que alguno debe haber.
"Mar de la Tranquilidad" y "Fantasmas del Cabo de Hornos"
Hola.
Anoche vaya uno a saber por qué motivo me acordé de dos temas viejos, de los 80 del siglo pasado, que en su época me copaban, del cantautor canadiense Gordon Lightfoot.
Haciendo memoria me acordé de los nombres de los temas: "Mar de la Tranquilidad" y "Fantasmas del Cabo de Hornos", y del álbum en que se encuentran "Dream street Rose".
Buscando en la web, en la que puede encontrarse casi cualquier cosa que uno busque, y cada vez con menos esfuerzo, encontramos en el site de DornFall:
Así que aquí compartimos para los nostálgicos la info de los discos (de Wikipedia) y los links que encontramos en la web:
Dream street Rose - 1980
Álbum de estudio de Gordon Lightfoot publicado en 1980, y grabado en Noviembre de 1979.
Género: Folk Duración: 33:44 Compañía: Warner Brothers Records Productor: Gordon Lightfoot, Lenny Waronker, & Russ Titelman
Track listing: "Sea of Tranquility" – 3:17 "Ghosts of Cape Horn" – 4:09 "Dream street Rose" – 2:58 "On the High Seas" – 3:18 "Whisper my name" – 3:12 "If you need me" – 2:50 "Hey you" – 2:53 "Make way for the Lady" – 3:43 "Mister Rock Of Ages" – 3:33 "The auctioneer" (Leroy Van Dyke/Buddy Black) – 3:51
Todos los temas de Gordon Lightfoot, excepto el último.
Músicos: Gordon Lightfoot - Main performer, Guitar Terry Clements - Lead guitar Rick Haynes - Bass Pee Wee Charles - Pedal Steel Guitar Barry Keane - Drums and percussion Michael Omartian - Piano, Keyboards
{Album de estudio de Gordon Lightfoot, publicado en Enero de 1982 y grabado en Eastern Sound, Toronto, en Marzo-Abril & Junio de 1981.
Género: Folk Duración: 37:23 Compañía: Warner Bros Records Productor: Gordon Lightfoot y Ken Friesen
Track listing:
"14 karat gold" – 3:56 "In my fashion" – 3:05 "Shadows" – 3:02 "Blackberry wine" – 3:05 "Heaven help the Devil" – 3:14 "Thank you for the promises" – 2:53 "Baby step back" – 3:59 "All i'm after" – 3:23 "Triangle" – 4:10 "I'll do anything" – 3:25 "She's not the same" – 3:11
Todos los temas compuestos por Gordon Lightfoot.
Músicos:
Gordon Lightfoot - Main Performer, Rhythm Guitar, Vocals, Harmony Vocals Rick Haynes - Bass Terry Clements - Lead Guitar Barry Keane - Drums, Percussion Michael Heffernan - Keyboards, Synthesizer Pee Wee Charles - Steel Guitar, Dobro Dean Parks - Electric guitar Dennis Pendrith - Bass Robbie Buchanan - Synthesizer Victor Feldman - Percussion Herb Pedersen - Harmony vocals
Un documento excepcional sobre vida y obra del polifacético maestro de maestros: Chicho Sánchez Ferlosio, cantautor, anarquista, bohemio, inventor, filósofo...
Sinopsis:
Un documental sobre la vida de Chicho Sánchez Ferlosio. Un acercamiento a su modo de vida bohemio con canciones y conversaciones.
Reparto:
José Antonio "Chicho" Sánchez Ferlosio, Rosa Jiménez Díaz, Isabel Escudero, Rafael Adreu Coll, y Fernando Trueba.
Equipo técnico:
Director: Fernando Trueba Guión: Fernando Trueba y Chicho Sánchez Ferlosio Dirección de producción: Cristina Huete Productor ejecutivo: Oscar Ladoire Productor asociado: Ramón Mendoza Director de fotografía: Ángel Luis Fernández Música: Chicho Sánchez Ferlosio Montaje: Miguel Angel Santamaría Sonido: Bernard Orthion Ayudante de dirección: Enrique Gabriel Ayudante de producción: Andrés Santana Microfonista: Ibicricu y Felix Ortiz Mezclas de sonido: Jesús Escalante Maquinista: Antonio Fernández Santamaría Foquista: Salvador Gómez Calle Ayudante de cámara: Juan Molina Secretaria de producción: Ana Huete Foto-fija: Juan Molina Auxiliar de montaje: José Pastor
Datos técnicos:
Compañías de Producción: Opera Films (España) y Globe Films (España) Nacionalidad: España Año de producción: 1982 Fecha de rodaje: Noviembre 1981 Lugar de rodaje: Sóller y Deià (Mallorca) y Madrid Rodada en: 16 milímetros (hinchada a 35) Formato: 1:1,66 Color: Eastmancolor y Fujicolor Duración: 89 minutos Fecha de estreno: 03-04-1980 / 26-10-1982 Distribución: Globe Calificación: Todos los públicos Espectadores: 19.080 Recaudación: 4.238.274 pesetas Idioma original: Castellano
Canciones:
"Zumba que zumba", canción popular venezolana, versión de Soledad Bravo, interpretada por Rosa Jiménez Díaz y Chicho Sánchez Ferlosio
"Maremma", popular italiana interpretada por Rosa Jiménez Díaz y Chicho Sánchez Ferlosio
"La paloma", autor e intérprete Chicho Sánchez Ferlosio
"Hay una lumbre en Asturias", autor e intérprete: Chicho Sánchez Ferlosio
"Canto Arval", del Siglo VIII a.c., en versión de Agustín García Calvo, interpretado por Chicho Sánchez Ferlosio
"Afro Tambu", según un poema de Agustín García Calvo, música e interpretación de Chicho Sánchez Ferlosio
"Coplas retrógradas", letra y música Chicho Sánchez Ferlosio; intérpretes Rosa Jiménez Díaz y Chicho Sánchez Ferlosio
Tema: "I Palpiti", de Niccolò Paganini
Improvisación al piano: Fernando Ember
Títulos: Pablo Nuñez
Nací en 1940. En el colegio nunca aprobé a la primera y repetí sexto curso. En 1960 me casé. En 1961 estuve preso por primera vez por una blasfemia que encima no fue verdad. En 1962 me enrolaron en un importante grupo de gente armada, cuyos jefes me obligaron a cruzar el estrecho, me llevaron al Sahara y me impusieron sus métodos y objetivos durante más de un año, hasta que por fin me licencié como mis compañeros con mi Cartilla Militar. En 1964 murió ahogado mi primer hijo: iba para cuatro años. En 1966 nació mi segundo hijo y murió mi padre, a causa sobre todo del tabaco; tengo el buen recuerdo de que se reconcilió con todos moviendo la cabeza cuando ya no podía hablar. En 1968 nació mi única hija. Acabábamos de volver mi mujer y yo del mayo francés, donde pienso que hubo menos imaginación de lo que se dijo después. En 1970 fuimos los cuatro a la India en furgoneta, cinco meses viajando: aún no comprendo cómo salvamos la piel, con la inconsciencia que llevábamos. En 1973 nos separamos Ana (mi mujer) y yo, por causa mía en un 90 por 100 (ignorancia, egocentrismo, incomprensión). En 1975 nació mi hijo Pablo, que sobre todo por errores y negligencias de al menos tres médicos quedó con parálisis cerebral: ahora lee, escribe y se desenvuelve bastante bien. En 1977 murió mi hija de resultas de una caída de caballo.
He cultivado algo de matemáticas (teoría de números, topología), lingüística (fonética a través de las sílabas), canto y poesía; trabajando de corrector de imprenta, de estilo, traductor, redactor publicitario, conserje de hotel (nocturno), camarero; y he descubierto unos cuantos juegos matemático-visuales y magnéticos. He pertenecido al PCE, FLP y PCE (m-l): el mejor fue el segundo (que ya no existe) porque tenía en cuenta la naturaleza humana o, si lo prefieren, el estado de nervios que atravesamos, y no para utilizarlo pragmáticamente, sino para profundizar en él y modificarlo en lo necesario sin violentarlo.
Me gustaría ser periodista (aunque por ahora me cuesta mucho escribir en prosa) o figurante de cualquier obra puramente de ficción, aunque me he divertido y aprendido mucho durante el rodaje de la película que motiva estas líneas. De la película ya hecha no quiero decir nada a quien no la haya visto aún, no por nada, sino porque cuando yo voy al cine no me gusta que me anticipen nada y creo que a muchos les ocurre lo mismo, pero intentaré contestar a las objeciones o comentarios que se hagan pues puse los cinco sentidos y no puedo decir que me forzaran en ninguna dirección, así que soy uno de los principales responsables del resultado. Tampoco voy a decir, si no gusta: claro, se hizo tan deprisa y con tan pocos medios ya que a todos los del equipo nos parecieron suficientes, y además, dentro de lo que cabe, se trajo de Francia a Bernard Orthion para el sonido, se rodó con dos cámaras todo el rato, hubo raíles, focos, variadores de velocidad, mariscos, etc., y venir toda esta agente con los coches y el material en el barco, más luego montar una cosa tan polimorfa e hincharla a treinta y cinco.
Desde luego, me llevaré una sorpresa si ciertas partes de la película no convencen, pero desgraciadamente esas sorpresas existen, y bien lo saben mis huesos, que mi primer disco me parecía bastante aceptable y poco a poco fui viendo fallos hasta convencerme de que sólo se salvaban dos o tres canciones. Me tranquiliza el ver que no se puede comparar el ambiente pulcramente falseado y falsamente experto de la mayoría de las discográficas con el buen sentido, la claridad y la afición del equipo de Opera Films. Y otra cosa: todos los tratos fueron de palabra previamente al trabajo y, meses después, cuando hubo que hacer un contrato por cierto, este reflejaba exactamente lo que se había hablado. Esto, por desgracia, es muy poco frecuente en nuestros días. Por lo menos yo no estaba acostumbrado a ello; aunque comprendí desde el principio que iba a ser así.
Chicho Sánchez Ferlosio
José Antonio Sánchez Ferlosio, más conocido como Chicho Sánchez Ferlosio (8 de abril de 1940 - 1 de junio del 2003): cantautor español, hermano del novelista Rafael Sánchez Ferlosio.
Biografía:
Hijo del escritor falangista Rafael Sánchez Mazas, recibió una educación esmerada y tomó pronto un camino opuesto al de su padre, integrándose en la oposición al régimen de Franco y aplicando su talento poético a la composición de canciones antifranquistas. Una de ellas, Gallo negro, gallo rojo, se difundió como si fuera una canción anónima de la Guerra Civil, convirtiéndose en un himno de la lucha contra la dictadura.
La trayectoria de Chicho Sánchez Ferlosio va unida a la de su amigo Agustín García Calvo, de quien musicó con acierto muchos poemas. Ambos optaron por permanecer al margen de la cultura oficial, actuando donde quiera se les llamara o les apeteciera, pero sin mostrar el menor interés por la promoción comercial. Sólo en una ocasión se dejó arrastrar al estudio para grabar un LP, A contratiempo (1978). Preguntado sobre si el disco había envejecido mal, Ferlosio respondió sarcásticamente que había nacido ya con graves malformaciones. En realidad, el sonido reproduce fielmente sus actuaciones en directo, con instrumentación austera pero un gran talento melódico.
Fascinado con el personaje, Fernando Trueba le dedicó una película inclasificable, Mientras el cuerpo aguante (1982), elogio de la bohemia que nos presenta a Ferlosio actuando y charlando sin descanso hasta caer rendido.
Durante los años de la democracia, Sánchez Ferlosio estuvo siempre allí para musicar las protestas sociales: contra la corrupción del PSOE y la Guerra Sucia (a través de sus letras, publicadas en El Mundo) y más recientemente contra la guerra de Irak y el despido improcedente que sufrieron los trabajadores de Sintel.
Para los cantautores que empezaron a trabajar a finales de los 70, Ferlosio era a la vez un mito y un amigo fiel, presto a colaborar con quien se lo pidiera. Actuó a menudo con Jesús Munárriz, cantautor antes que poeta y editor. Convenció a Javier Krahe para que se estrenara en los escenarios madrileños. Joaquín Sabina hizo famosa una de sus canciones, Círculos viciosos. Como letrista, colaboró con Alberto Pérez en los dos discos que éste dedicó a la música de baile, Sobre la pista (1990) y Tiempo de baile (1999).
A finales de los 90 colaboró con Albert Boadella y Jean Louis Comolli en Buenaventura Durruti, anarquista (1999), un documental que sigue al grupo Els Joglars durante los ensayos de una obra dedicada al mítico revolucionario ácrata. Entre ensayo y ensayo, Ferlosio aparece como juglar callejero interpretando canciones que glosan distintos momentos de la lucha de Durruti. Compuestas para la película, parecen sin embargo piezas de época, en la tradición de los mejores romances de ciego. Aunque nunca salió en un formato comercial, este Romancero de Durruti puede encontrarse (lo mismo que su disco descatalogado) a través de programas de P2P, como EMule.
Colaboró también en la versión cinematográfica de la novela de Javier Cercas Soldados de Salamina (2003), dirigida por David Trueba, donde se interpreta a sí mismo y aparece hablando de su padre a la protagonista.
Tras su muerte en 2003, su amigo Amancio Prada le ha rendido tributo con su disco Hasta otro día, Chicho Sánchez Ferlosio (2005), que recoge varias composiciones de Chicho y otras ajenas que le eran especialmente queridas. El disco pretende dar a conocer al público canciones de primera fila que nunca fueron grabadas o son hoy inencontrables. Prada recuerda en el libreto del disco que muchas de las canciones de Chicho son consideradas populares y reconoce este hecho como la máxima condición a la que puede aspirar un compositor.
El disco de homenaje puede ser un primer paso para la recuperación de más material inédito. En una entrevista reciente a Prada, indica éste que "unos amigos intentan reunir ahora toda la documentación dispersa de Chicho para su posible ordenación para su edición".
Puede también considerarse un homenaje la Milonga del moro judío, canción compuesta por Jorge Drexler e incluida en su disco Eco (2004). Drexler partió de un estribillo de Sánchez Ferlosio, que fue glosando en sucesivas décimas:
Yo soy un moro judío que vive con los cristianos, no sé qué Dios es el mío ni cuáles son mis hermanos.
Esta película documental la encontré con el Ares, y la he almacenado en mediafire por las dudas para que no se vaya a perder en el entramado web.
Mención aparte para la excepcional voz de Rosa Jiménez Díaz, compañera de Chicho: quienes no la hayan escuchado nunca seguramente se van a quedar con la boca abierta escuchando a esta fantástica cantante libertaria, menudita, pero con una impresionante potencia en la voz. Es imperdible el video del tema que interpretan al final de la película.
Un cordial saludo virtual a los amigos anarquistas que pasen por el post.
Baka Beyond at Edmonton Folk festival - Street Dance
Baka Beyond refleja la visión multicultural del ex-guitarrista de Outback Martin Cradick y su esposa. Una fusión de tradiciones musicales célticas y del Oeste de Africa, la banda representa una colaboración de músicos de Europa del Norte y del Oeste de Africa.
Cradick y Hart concibieron Baka Beyond poco después de la desintegración de Outback en 1992. Viajando a la selva tropical de Camerún, la pareja vivió con los pigmeos Baka y grabó su música. Una grabación, Heart of the Forest: The music of the Baka Forest people of Southeast Cameroon, fue lanzada el año siguiente. Se unieron al Violinista breton Paddy LeMercier; Cradick y Hart grabaron dos álbumes con los músicos de la tribu de Baka: Spirit of the Forest, lanzado en 1994; y The meeting pool, lanzado en octubre de 1995. El grupo continuó desarrollándose en su conjunto al viajar con la incorporación del percussionista Sagar N'Gom, ex-miembro de Outback; Tom Green al teclado, antes del Orb; el bateria Sam Pope; el bajista Marcus Pinto; y la vocalista Kate (Budd) Hardy. El album de Baka Beyond en 1998, Journey Beyond, fue su proyecto producido más elaborado que ofrecía a musicos invitados incluyendo al percussionista de la banda ghanesa Kakasitsi. Aunque la mayoría del álbum fue grabado en Inglaterra, los vocales africanos para dos canciones -- "Migrations" y "Konti" -- fueron grabadas mientras que Cradick, Hart y su hijo viajaban a través del Senegal.
El sonido de Baka Beyond's es una combinación de la música influenciada por el pueblo Baka de ritmos africanos y melodías célticas. Generalmente sus temas contienen fuertes ritmos, estilo de canto tradicional Baka e instrumentos exóticos, incluyendo marimba, djembe, ning nong, soga, kongoma, panlogo, tama, kalabash, y kora.
01 - Spirit Of The Forest (1993) @ 192
Tracks: 1. Baka Beyond - Spirit Of The Forest (5:32) 2. Baka Beyond - The Man Who Danced Too Slowly (6:07) 3. Baka Beyond - Ngombi (4:53) 4. Baka Beyond - Baka Play Baka (6:59) 5. Baka Beyond - Nahwia (5:14) 6. Baka Beyond - Eeya Be (Elephant Song) (7:35) 7. Baka Beyond - Canya Jam (5:43) 8. Baka Beyond - Bounaka (6:56)
Tracks: 01. Outback - Air Play (5:21) 02. Outback - Hold on (2:29) 03. Outback - Baka (6:28) 04. Outback - On the Streets (5:49) 05. Outback - An Dro Nevez (4:12) 06. Outback - Camberwick Green (6:30) 07. Outback - Buenaventura (3:42) 08. Outback - The Other Side (5:48) 09. Outback - Sunday Morning (5:18) 10. Outback - Dingo Go (7:48)
Tracks: 1. Outback - Cuban Connections (4:21) 2. Outback - Aziz Aziz (5:01) 3. Outback - Two In The Bush (5:14) 4. Outback - Desert Rain (5:21) 5. Outback - What Can I Say (8:04) 6. Outback - Medina (6:26) 7. Outback - Dance The Devil Away (7:22) 8. Outback - Animal Life (6:12)
13 - Baka Forest People - Heart Of The Forest (1993) @ 256
Tracks: 01. Baka Forest People - Yelli 1 (1:23) 02. Baka Forest People - Yelli 2 (2:22) 03. Baka Forest People - Yelli 3 (2:33) 04. Baka Forest People - Water Drums 1 (1:55) 05. Baka Forest People - Water Drums 2 (0:55) 06. Baka Forest People - Nursery Rhyme (1:29) 07. Baka Forest People - Venolouma (4:22) 08. Baka Forest People - Ieta (4:29) 09. Baka Forest People - Aiya (Ngombi Na Piki 1) (4:38) 10. Baka Forest People - Limbindi And Voices (1:38) 11. Baka Forest People - An G'Bendi (Earth Bow) (2:11) 12. Baka Forest People - Limbindi (2:00) 13. Baka Forest People - Water Drums 3 (0:36) 14. Baka Forest People - Abale (5:21) 15. Baka Forest People - Solo Voice (1:10) 16. Baka Forest People - Ngonnalati (Ngombi Na Piki 2) (5:59) 17. Baka Forest People - Naboma (Ngombi Na Piki 3) (2:24) 18. Baka Forest People - A Capella (2:35) 19. Baka Forest People - Toji Playing The Ngombi Na Piki (1:59) 20. Baka Forest People - Forest Party (2:25) 21. Baka Forest People - Distant Yelli (2:24)
Parte del dinero obtenido de los albumes de Baka Beyond se ha utilizado mejorando cosas en la selva en que habitan los pigmeos Baka; entre otras cosas se ha construido una nueva casa de música con equipos de grabación a requerimiento de la tribu. Así que si alguien tiene la oportunidad de comprar alguno de estos discos seguro que algo del dinero les llega a la gente Baka.
Todo el material, digitalizado por paleechime, encontrado en:
La Colección UNESCO de Música Tradicional del Mundo es uno de los logros más sobresalientes del Programa UNESCO para la preservación y la revitalización del patrimonio cultural intangible.
Debido a su modo de transmisión, exclusivamente oral y gestual, este patrimonio se encuentra en mayor peligro de desaparición que las construcciones arquitectónicas de interés histórico. Hoy en día, algunas de las músicas grabadas en la colección ya no existen.
Estas grabaciones, muchas de las cuales han sido recogidas in situ, son una fuente incalculable de inspiración para compositores actuales, musicólogos y para todos los amantes de la música tradicional.
La Colección UNESCO de Música Tradicional del Mundo, fundada por Alain Daniélou en 1961, en colaboración con el Consejo Internacional de la Música (CIM), está compuesta de grabaciones inéditas y de reediciones en CD de antiguas colecciones de la UNESCO.
Dos organizaciones no gubernamentales colaboran con UNESCO formalmente: el Consejo Internacional de Música Tradicional (ICTM), para las nuevas grabaciones, y el Consejo Internacional de la Música (CIM), para las reediciones.
La colección consta de cinco series: Música y músicos del mundo, Antología de la música tradicional, Música tradicional de hoy, Colección "Celebración", y Escuchando al mundo. Hasta el momento, ha alcanzado su título numero 110 desde que fue fundada en 1988 en colaboración con NAIVE/AUVIDIS (Francia), editor fonográfico y distribuidor.
Estas cinco series han recibido tres grandes premios: el "Gran Prix Académie du Disque Français" (1989); el "Grand Prix de l'Académie Charles Cros" (1990); y el "Palmarès des Palmarès 1997", Premio "Músicos del mundo" de la Nouvelle Académie du Disque".
Aquí 5 discos de esta fantástica serie:
Cameroun - Musique des Pygmees Baka - 1975-2003 AUVIDIS/UNESCO D8029 (Reissue)
Este disco lo conseguí en un blog ruso en mp3, 160, sin booklet.
Highly inventive and constantly changing, the vocal polyphony and the polyrhythmic sounds of hands and drums are prodigious achievements which astonish modern composers.
The art of the Pygmies is fascinating for its ingenuity on all occasions, even when children play in the river and clap their hands rhythmically on the surface of the water.
Tracks: 01. Music for the buma dance (Musique pour accompagner la danse buma) 02. Hut song - Chanson de hutte 03. Orycterope & pangolin (Sung - Fable - Fable chantee) 04. Song for gathering mushrooms (Chanson pour la cueillette des champignons) 05. Song to atract game (Chanson pour attirer le gibier) 06. Music for the nganga dance (Musique pour accompagner la danse nganga) 07. Lullaby - Berceuse 08. The water drum - Le tambour d'eau 09. The humming of the bees - Le bourdonnement des abeilles 10. Music for the buma dance (Musique pour accompagner la danse buma)
Total duration: 47:26
Argentina - Tritonic music of the North West - 1988-1992 AUVIDIS/UNESCO D8208 Musics & Musicians of the World
Tracks: 01. Misachico 1’45 02. Toque quebradeño 1’59 03. Toque abrapampeño 1’57 04. Toque vallista de Iruya 2’19 05. Tonada de carnaval 8’17 06. Contrapunto 5’35 07. Coplas del abrapampeño 1’16 08. Coplas del carnaval 9’57 09. Tonada "Chañar caído" 3’30 10. Tonada "La flor de Tafí" 2’10 11. Tonada "Qué haré con llorar" & Arribeñas 3’28 12. Tonada "Aquí he venido" & Arribeña "Palomita carcelera" 4’29 13. Arribeña 1’42 14. Tonada "Tafí del Valle" 4’10 15. Tonada "Ya me voy" 4’17 16. Bagualas carnavaleras 10’19
In South America where music is for the most part played on a scale of five notes, this particularly ancient three-note music comes from the North West Provinces of Jujuy and Tucuman. The music is played mainly at carnival time. It is ritual, functional and relatively simple in nature. ...something to listen to while you boil your yerba mate and nibble on some quinoa. Some rowdy native music from the mountains of Argentina. This is from a record called Argentina: The Trintonic Music of the North-West on the excellently strange UNESCO collection. Sort of like the Andean version of the Master Musicians of Jajouka.
Bolivia - Panpipes / Syrinx de Bolivie - 1987 Auvidis/UNESCO D 8009
Tracks: 01. Yaku Kantu 02. Tika Tika 03. Yuyarikuy Kantu 04. Kacharpaya Kantu 05. Kanchitu 06. Komer Chakra 07. Chakpacha 08. Akamani 09. Baile Chiriwano 10. Danza De Los Kunthuris 11. Huayno De Los Kunthuris 12. Danza Laquita Medley: Danza/Loas/Llano 13. Kacharpaya
France - Jean Blanchard & Éric Montbel - Bagpipes of Central France - 1987-1989 AUDIVIS/UNESCO D8202 (Reissue) Traditional Music of Today
France has more different kinds of bagpipes than any other country. Those of the Centre have a warm sonority.
Their finest players, Montbel and Blanchard, have made magnificent adaptations of traditional airs of the Berry, Bourbonnais and Basse-Auvergne regions (solos and duos); they present their finest compositions here.
Tracklist: 01. Par un beau claire de lune dessur le pont du Rhone 3’22 02. Bourrée de Benoit La Coulemelle La Giatte du Coualhon 2’56 03. Le retour du jardinier 2’15 04. Laderititou Polka du lac 3’10 05. N’aven tan dansa Bourrée du mauconten 2’55 06. Sur le pont d’Auron 3’22 07. Le juif errant Réveillons Réveillez 2’37 08. Briolage 2’49 09. Marche de Gavinet, Les hussards de la gare 2’18 10. Sur le bord d’une fontaine La joliesse 5’36 11. Les gateaux Le roi de Torelore 2’49 12. Chrétiens réveillez-vous Jardin d’amour 3’09 13. Bourrée de Thiers Polka de Fort-Marais 2’54 14. La corneille Le virelou 3’03 15. Le chariot d’or Bourrée du lac Marijean La vieux canal 3’51 16. Adieu les filles de mon pays Mazurka 3’19 17. La Tricotada 1’41 18. Sainte Marthe Allez-y et dites-lui 2’23 19. Saint Leon-Sur-L’Isle Souvenir de Chaumeil 3'01
Algerie, Sahara - Music of Gourara - 1974 AUVIDIS/UNESCO D8037 (Reissue) Music & Musicians of the World
Tracks: 1. Ahellil Song 2. Tagerrabt Song 3. Hadra Song 4. Tebel Song Of The Meherza 5. Song For The Insemination Of The Date Palm 6. Song With Amzad Accompaniment 7. Dance With Qarqabou
The Gourara region with its many cases is peopled by Zenetic, Bedouin and Sudanese tribes. Their different kinds of music show mutual influences, but the repertoires remain specific. The diversity is illustrated here by the ritual songs of Islam and maraboutism, a dance or a song praying for the fertility of the palm flowers. Recorded in 1974. Salvo el primer disco, los demás links fueron encontrados en el foro de SFRP.
Tonolec es un dúo originario de Resistencia Chaco, integrado por la cantante Charo Bogarín y el músico Diego Pérez, que reafirmó su labor musical abordando la fusión de los géneros electrónico y étnico desde un lugar legítimo.
Quizás guiados por la sangre ancestral guaraní que corre por las venas de Charo o por la curiosidad de Diego de ahondar en las raíces musicales del lugar donde nació, estos jóvenes artistas decidieron dedicarse durante los últimos dos años a investigar la cultura toba desde adentro, intercambiando experiencias musicales con las comunidades tobas originarias del norte argentino y trabajando exhaustivamente en la mixtura de los cantos populares tobas con la electrónica. Participaron en las rondas de canto y de baile del coro de mujeres y hombres tobas “Chelaalapí” (Bandada de Zorzales), que viven en Resistencia. Las canciones tradicionales que aprendieron les fueron transmitidas oralmente por los ancianos de esa comunidad, más allá de todo el material histórico que lograron recopilar. También realizaron experiencias junto a la comunidad toba de Derqui, provincia de Buenos Aires.
Los chicos de Tonolec fueron lanzados a la escena internacional en 2001, bajo el nombre de Laboratoriowav tras ganar el concurso Fémina Rock organizado por la cadena de música MTV Latinoamérica y la Sociedad General de Autores y Editores (S.G.A.E.), que abarcó todos los países de Latinoamérica, España y residentes hispanos en EEUU.
Luego del triunfo obtenido con la canción “Alivia”, viajaron en julio de ese año a Madrid, donde fueron parte de la gira Fémina Rock, compartiendo escenario con María Gabriela Epumer (dos zorros) los colombianos Aterciopelados y los españoles Amaral.
El video de Alivia estuvo en rotación por la cadena de música MTV Latinoamérica.
El trabajo con las comunidades tobas es el leit motive de la obra de Tonolec, que al final del camino recorrido nos ofrece: una voz femenina entretejiendo diálogos diversos con la Naturaleza. Delicadas mixturas entre sonidos acústicos y coros indígenas procesados. Y finalmente la comunión de todos estos elementos dando la conformación de paisajes diversos por los cuales es posible imaginar el tránsito de los primeros hombres sobre nuestro suelo.
Sergio Marihuan:
Nativo de Río Chico, paraje ubicado en el departamento de Ñorquinco, sur de la provincia de Río Negro. Se inicia en la música por el año 1990 en un grupo de canto Mapuche llamado Wekuyen (Luna nueva), de la provincia de Neuquén. Su camino se abre paso al compartir escenarios junto a artistas de trayectoria como León Gieco, Teresa Parodi y Víctor Heredia. Representó en 1995 a la provincia de Chubut en la XXI º Feria del Libro, fue representante de la Cátedra Americanista de la UBA en Córdoba como en el Encuentro Internacional del Mercosur en Tierra del Fuego en noviembre del 2004. Actualmente su objetivo es difundir la cultura Mapuche, en escuelas, colegios y universidades, exponiendo su espiritualidad y cosmovisión a través de los sonidos.
Juan Namuncura:
Hijo de padre Aymará madre Mapuche. En 1970 inicia la formación musical con el maestro Antonio Toninni, en la ciudad de Villa Regina (Río Negro). En 1989 gana el concurso provincial de música (Neuquén) participando luego en el "Encuentro Nacional de Música". En 1991 gana la beca por creatividad que otorga el Fondo Nacional de las Artes. En 1993 recibe un subsidio del Fondo Nacional de las Artes para investigar y recopilar digitalmente fonemas indígenas. En 1994 junto con el Luis María Serra participa en la banda de sonido y compone el Tema Final "El Winka Roca" de la película "La nave de los locos", dirigida por Ricardo Wulicher. Compone para tira televisiva "Leandro Leiva, un soñador" a partir del año 1995, en canal 9. Durante el mes de Abril de 1995, junto al Miguel Ángel Solá, conforman un dúo poético musical y presentan el espectáculo "A escala humana". Compone la música de varias obras de Teatro entre ellas “El Escorial” de Michael de Ghelderode, "Hermano del Alma", homenaje al poeta Miguel Hernández dirigida por Víctor Mayol. Compone además la obra “Meli” para el Ballet de Danza Contemporáneo “Locas Margaritas” (Neuquén). Presenta la obra "Butalón 246" en la "XV Reunión de los Medios y Música Electroacústica 99". Es seleccionada la obra "Pu Choroy Piré" para su ejecución en el festival mundial de música "Sintese 99", París, Francia. Es miembro fundador de la "Academia de Ciencias y Artes de la. Grabación" "Grammy". Participa en la canción “De Mariposa a Cruz” a beneficio de los Huérfanos de Ciudad Juárez, , junto a Cesar Alejandro, Alejandro Lerner, Colin Hay, Diego Verdaguer, Celeste Carballo, Alejandra Guzmán, Rubén Blades, José Feliciano, Little Joe, Emilio Navaira, Jenni Rivera, Eduardo Palomo, Fernando Arau, Cecilia Noel, Carina Ricco, David Shark, Joe Jackson, Andy Lauer, Amy Pietz, Rogelio Martínez, Taylor Negron, Laura Zamora, Francisco Rivera, L.Á. (USA).
Dirige y produce: “El Nguillatum, Ceremonia Religiosa del pueblo Mapuche de Argentina y Chile” CD ROM para UNESCO. Auspicio, gobiernos de Argentina y Chile. Ha participado como productor, otras dirigiendo, como técnico, también interpretando y componiendo en 31 Discos Compactos en los que se destacan la participación, de los Sres. Federico Gil Sola, Steve Albini, Alejandro Lerner, Fabi Cantilo, Luis Maria Serra, Francisco Kröpfl, Fernando Von Rikenbach, entre otros.
En la actualidad y paralelo a su desarrollo artístico, dirige el Instituto de Cultura Indígena Argentina que promueve la difusión cultural de las comunidades Indígenas de todo el país.
Nahuel Cayuqueo:
Nahuel Cayuqueo nace en el Gran Buenos Aires en el año 1976. Su raíz por línea paterna es Mapuche, pero posee una fuerte impresión ciudadana.
Es así, que fue entretejiendo una trama entre avenidas, colores y fútbol. A los catorce años comenzó los estudios de canto y piano estimulado tras la adquisición del piano de su abuelo fallecido, quien fuera un gran cantor de tango de voz tenoril liviana y de una expresión envidiable, vinculable al estilo de Agustín Magaldi. Quizá este fuerte referente marcó en sus genes el don de la música que lo llevó a profundizar sus estudios de piano en el Conservatorio Provincial “Julián Aguirre” y composición en la UNLP (Universidad Nac. de La Plata) y en la UNQUI (Universidad Nac. de Quilmes). Años mas tarde inicia su carrera de cantante de ópera, como coreuta interpretando obras como “L´elisir d´amore” en el Teatro Colón, junto al Coro del Instituto Superior del Teatro Colón, y como solista cantó “Le nozze di Fígaro”, “Don Pascuale” y “Lítaliana in Algeri” UNQUI. Actualmente se encuentra elaborando un ambicioso proyecto solista. La música que integra este trabajo, pareciera pertenecer por momentos al rock progresivo-sinfónico, por momentos a la música del período romántico, tanto instrumental como operística.
Rubén Carrasco:
Rubén, nació y se crió en Capital Federal. Inicia sus primeros pasos en la música, estudiando piano en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires. Años más tarde indaga en la música electrónica y electroacústica bajo la dirección del maestro Antonio Maranzano.
En 1979 funda el grupo de Proyección Folklórica “Nguillatun”. Su herencia indígena Calchaquí a través de su abuela paterna, Deonisia Sajoma Guaman y guaranítica por parte materna lo condujo a la tarea de rescatar su propia historia, incorporando a su lenguaje creativo infinidad de elementos de las diferentes culturas del país como: Mapuche, Tehuelche, Toba, Quechua, produciendo una gran transformación en su actitud compositiva.
En 1989, lleva por primera vez su propuesta “étnica” a los escenarios europeos, comenzando así una prolífica actividad internacional en la que compartió la escena con músicos como Dizzi Guillesspie, Arturo Sandoval, Airto Moreira, Dino Saluzzi, Palle Mickelborg, Marilyn Mazur y Michael Bracker entre otros.
Uf. Si cliquearon en el enlace de arriba les dará error pero si van a la página principal verán que dice:
Blogger has been notified, according to the terms of the Digital Millennium Copyright Act (DMCA), that certain content in your blog is alleged to infringe upon the copyrights of others. As a result, we have reset the post(s) to "draft" status. (If we did not do so, we would be subject to a claim of copyright infringement, regardless of its merits. The URL(s) of the allegedly infringing post(s) may be found at the end of this message.) This means your post - and any images, links or other content - is not gone. You may edit the post to remove the offending content and republish, at which point the post in question will be visible to your readers again.
O sea que Blogger (que pertenece a Google y es la que gerencia blogspot) les dijo que tenían que borrar el contenido del blog...
Y se encuentran los enlaces , los copio porque es posible que dentro de un tiempo google borre esa memoria (ahí me pueden borrar a mi también, pero bueh, no importa mucho):
PETER, PAUL & MARY Ten Years Together: The Best Of Peter, Paul And Mary 1970 37:55
Y es una macana que le pongan esas claves, los archivos en rapidshare, megaupload y filefactory todavía están, alguien puede llegar a ellos y descargarlos y luego no saber cómo abrirlos.
No tiene sentido hacerlo asi, en mi humilde opinión, pongan un archivo de texto dentro del archivo rar diciendo desde dónde lo cargaron si quieren que figure el crédito original, pero poniendo claves no se gana mucho, fíjense que a este blog lo obligaron a borrar todo igual incluso teniendo sus archivos con claves..
Enfant, Soazig revendiquait déjà ses origines bretonnes et celtiques, mais c'est à l'âge de 18 ans qu'elle prend vraiment conscience du mal qui frappe la Bretagne. Pour sauver la la culture bretonne, elle se lance dans deux apprentissages parallèles, celui de sa langue maternelle et celui de la harpe.
Elle s'inscrit dans une filière classique mais apprend en même temps auprès de sa grand-mère des chants traditionnels bretons, tel le magnifique Ar Soudarded.
Elle a obtenu le premier prix dans la catégorie harpe et chant au Festival Interceltique de Killarney. Elle se consacre maintenant à l'écriture de contes celtiques et donnent des spectacles où elle entremêle histoires, chansons et pièces instrumentales pour harpe.
Tracks: 01 Ar soudarded 02 Kenavo cill airne 03 Tricolored ribborn 04 Marv pontkalleg 05 Suite gavotte 06 Al labous marv 07 Brezhoneg 08 Miss Mac Dermott 09 Lonely banna strand 10 Marche de Brian Boru 11 Ul lizher d'eus Paris 12 Pennherez keroulaz 13 Brezhoneg
Es un discazo espectacular. Hacía tiempo que buscaba el disco (había escuchado sólo unos temas sueltos) y finalmente hace poco me lo pasó un amigo de taringa. Bellísima la voz de Soazig. Touareg De Féwet - Ensemble Weddey - Libye: Musiques du Sahara
Melodies: 01 Calme - Calmness 02 Nostalgie - Nostalgia 03 La Lune - The Moon 04 Badinage 05 Notes / Naqarate 06 L'ame dansee - The dancing soul 07 Enfance - Childhood 08 Resonance - Resonance 09 L'elevation meme - The elevation itself 10 La marche - Promenade
Driss El-Maloumi was born in Agadir, Morocco in 1970. He went on to study Arab literature at university and also attended the National Musical School of Rabat from 1992-4. As well as Eastern and Western influences, he also incorporated tribal Berber oud playing into his compositions. Driss el-Maloumi has performed throughout Europe, the Middle East and South America, and also participated in the International Oud Meeting.
"The oud magician" was born on May 25th, 1970. His nickname accurately reflects the remarkable dexterity that Driss El Maloumi possesses on his oriental lute. The moroccan berber is considered one of the best composers, innovators, and performers of this complex instrument. Maloumi also distinguishes himself by opening the instrument’s traditional repertory to encompass western genres like jazz and baroque music. His passion for books (he has a BA in Arabic literature) also infuses refined and poetic interpretations and instills a dreamy, philosophical quality to his recordings of Sufi music. This ability has enabled him to collaborate with established international musicians such as Jordi Savall, Keyvan Chemirani, Omar Bachir and Paolo Fresu. Maloumi's 2005 recording, “Morocco: the dancing soul” consecrated the 35-year-old as one of the instrument’s great Ambassadors. Sima Bina - Musique du Nord du Khorassan (Music of Iran) Musique du Monde - Music from the World 92636-2
Born in Birdjand, south Khorassan, in the hart of a popular tradition orally transmitted for generations, Sima Bina is now the holder of a vast repertoire of songs and melodies from Khorassan. The subtle technique of classical singing which she has learnt and mastered thanks to the teaching of some of the greatest traditional masters su chas Maaroufi, Zarrin Panjeh and Davami, allowed her to tackle this field with perfect know-how.
In 1979, following the events which unsettled Iran, at a time when she was one of the most appreciated Iranian singers, Sim Bina was removed from the stage. This disruption with the public, resulting from the Moselm law forbidding women to sing, was nevertheless a decisive turn in her life. This was the start of what the singer calls "a serene wandering".
She made a series of travels to the four corners of Khorassan. But the oral character of these cultures, the fact that the form, timbre and colour of the songs and melodies change from one region to the next, complicate the task of collecting, stuying and comparing the variants. So the question of the method arose, which could only be solved on the field by a long and meticulous scientific job. Sima Bina's task was even harder in that her concern went beyond the mere recording and deciphering of this material. It consisted in interpreting these songs after "freshening them up and stripping them of the plains' dust".
During this creative process, Sima Bina sometimes remodels the over repetitive form of the songs or lyrics at times emptied of meaning. She creates, strictly speaking, her own version which she then submits to the approval of masters.
For this difficult endeavour, she is assisted by poet Mohammad Ebrahim Djafari, who tries to rewrite the songs while respecting their soul, subtleties, history, origin. Complicity comes forth between the singer and the poet but also the dotâr player, Hamid Khézri, who in turn brings his virtuosity to the interpretation of the pieces.
Sima Bina has thus resuscitated a great part of the "forgotten repertoire" from the plains and mountains of Khorassan.
She now sings outside Iran, heightening the awareness of various audiences who, via her concerts, have travelled to the heart of Khorassan and its musical tradition.
Tracklist:
1. Allah Mazâré ou Le Rêve du Printemps - the dream of spring 2. Ma bien-aimée Basanée, quatrains populaires - popular quatrains 3. Khan Djan 4. L'éclat du sabre - The sabre's glare 5. Quatrains populaires - Popular quatrains 6. Magom (Dotâr) 7. Alélé, danse populaire - Popular dance Moudou Ould Mattalla and the singers of El Mouna - Mauritanie - Guitare des sables [Guitar of the sands] - 2003
- Moudou Ould Mattalla: Guitar, Musical direction - Fatimatou Mint Demine, Mama Mint Mallane, Fatma Mint Messoud, Dida Mint Bilal: Vocals, Handciapping, Tbel Kettledrum
Tracks:
Mode Karr / Karr Mode
01 Improvisation
Mode Varhou / Varhou Mode
02 Ouezn-Le dattier Mehboula (Ouezn-The Mehboula date tree) 03 Improvisation 04 Benja-Oh ma mère Leila (Benja-Oh my mother Leila) 05 Ouezn-Chaoueda
Mode Lekhal / Lekhal Mode
06 Improvisation
Mode Lebyad / Lebyad Mode
07 Chor-Meya je t'aime (Chor-Meya i love you) 08 Ouezn-La joie de la femme (Ouezn-Woman joy) 09 Improvisation 10 Chor-Plaise a Dieu qu'il vive longtemps (Chor-Pray God he will live a long time) 11 Ouezn-La dédicace de l'année (Ouezn-The dedication of the year) 12 Tebra [Liyeen]
Chinguetti, cité historique du Sahara. Le guitariste électrique Moudou Ould Mattalla nous promène à travers la musique maure, entre arabesques guitaristiques, improvisations cadencées et chansons féminines des palmeraies. Entre le rural et l’urbain, entre l’acoustique et l’électrique, la musique proposée par Moudou et les chanteuses d’El Mouna rend compte du fil sur lequel Chinguetti cherche son équilibre, oscillant entre campement urbain et ville du désert. Alliant pratiques collectives locales et innovations personnelles, cette musique est également représentative de la culture populaire de la région, où la créativité individuelle puise dans le patrimoine culturel tant local que global, réussissant à donner une solide cohérence aux assemblages les plus hétéroclites. Un peu à l’image de l’effet du désert sur les choses, auxquelles le vent et le sable confèrent vite une patine saharienne qui tend à tout unifier sous une même teinte monochrome. Une patine qui fait également son effet sur les hommes, et inévitablement sur la musique. Source: budamusique.com
