Animerama es una serie de películas animadas japonesas para adultos producidas por el estudio Mushi Production de Osamu Tezuka, desde fines de los 60 hasta comienzos de los 70.
Aquí una foto de Osamu Tezuka:
Todas fueron dirigidas, al menos en parte, por Eiichi Yamamoto, y en las primeras dos también participó el mismo Tezuka.
La primera, A thousand & one nights, fue el primer film animado erótico exhibido, y con 130 minutos, permanece como uno de los más largos.
Las tres películas de la trilogía son:
_ A thousand & one nights (Senya Ichiya Monogatari) (1969) _ Cleopatra (Kureopatora) (1970) _ Belladonna (Kanashimi no Beradona) (1973)
Las tres han sido distribuidas en DVD por la división video de Columbia Music Entertainment, en 2004 y de nuevo en 2006 en Japón.
Encontré las tres películas para descargar en un site de descarga ruso:
Las películas están en japonés y no he podido conseguir subtítulos en castellano de ninguna de ellas.
Sin embargo, a pesar de la falta de subtítulos armé el post para compartir los links e info porque creo que van a ser del agrado de los fans de Tezuca y de la animación en general. Son películas fundamentales en la historia de las películas animadas. He estado años buscándolas, sin éxito, tanto en internet como en soporte físico, videocassette, o dvd.
Si alguien consigue los subtítulos en castellano o en inglés de alguna de las películas le rogaría que me envíe el link de descarga o que lo publique en "Comentarios". Gracias desde ya.
La info fue tomada de fuentes diversas pero principalmente de Wikipedia.
Cleopatra (Kureopatora) es un film animado japonés de 1970 dirigido por Osamu Tezuka y Eiichi Yamamoto.
Cuando se distribuyó la película en USA, los distribuidores cambiaron el título a Cleopatra: Queen of sex, y la distribuyeron como de calificación X (autoaplicada) en un intento de repetir el éxito de Fritz the Cat. Sin embargo, Cleopatra no fue enviada a la MPAA, y muy probablemente no hubiera recibido calificación X si hubiera sido enviada. Un crítico la describió como: "Material para niños con algunas tetas al aire".
La verdad que los yanquis son unos mierdas malparidos que se la pasan cagando de un modo u otro, todo lo bueno que les llega de otras partes del Mundo (Recordamos el lamentable caso de las maravillosas sagas animadas que censuraron, maltradujeron, y mezclaron sin ton ni son en ROBOTECH).
La calidad del video que se reconstruye a partir de estos archivos .rar es relativamente pobre, puede que sea un tvrip o algo así. A pesar de esto seguramente los fans la verán con agrado.
A thousand and one nights (Senya Ichiya Monogatari, en castellano: Las mil y una noches) es un film animado de 1969 dirigido por Eiichi Yamamoto, concebido por Osamu Tezuka.
La calidad del video que se reconstruye a partir de estos archivos .rar es bastante buena, por lo que puede presumirse que sea un dvdrip.
Belladonna (Kanashimi no Belladonna, literalmente "Belladonna de tristeza", también conocida como "La tragedia de Belladonna" es un cine-arte animado producido en 1973 por Mushi Production. dirigido y co-escrito por Eiichi Yamamoto e inspirado por el libro de no-ficción "Satanism and Witchcraft" de Jules Michelet, es el tercero y último film en la trilogía Animerama y el único que no fue ni escrito ni dirigido por Osamu Tezuka (él dejó Mushi Production durante las primeras etapas de esta película para concentrarse en sus comics y su contribución en la etapa conceptual no está acreditada. Belladonna es también de tono más serio que los dos primeros films de Animerama de tono marcadamente de comedia. Visualmente consiste mayormente de imágenes fijas panedas por la cámara y está fuertemente influenciada por el arte occidental, particularmente Aubrey Beardsley, Gustav Klimt, y las ilustraciones clásicas del tarot. El film fue un fracaso comercial y contribuyó a la quiebra de Mushi Pro a fines del año.
La película cuenta la historia de Jeanne, una campesina que es violada y acusada de brujería; es notable por su imaginería gráfica y sugestivamente erótica, violenta, y psycodélica.
La calidad del video que se reconstruye a partir de estos archivos .rar es aceptablemente buena aunque con seguridad que no es dvdrip. La imaginería/grafismo de la película es imperdible.
Espero que sea del agrado de los fans de las películas animadas.
Dee Dee Bridgewater - Red Earth: A malian journey - 2007 Decca Music Group
En este post info y links de las dos versiones de este muy buen trabajo de Dee Dee. La info tomada de aquí y de allí en la web; los links propios de mi "depósito virtual" en medifire.
Dee Dee Bridgewater es una cantante de Jazz que siempre ha estado muy influenciada por Ella Fitzerald, aunque ha tocado muy variados estilos dentro del jazz. Pero esta vez ha decidido buscar sus raíces africanas. Además de a su pianista batería y bajista, Dee Dee trae a todo un arsenal de músicos. Dee Dee Bridgewater, utiliza su voz y su encanto para rendir homenaje a sus raíces africanas, consiguiendo un album espectacular, con mucho ritmo y fuerza.
Lo que más gusta: Los músicos de Mali: sin duda, el balafón y el kora fueron increíbles (el xilófono y la guitarra tipo medio balón de con un palo clavao).
Dee Dee Bridgewater, Embajadora de Buena Voluntad de la FAO y Caballero de la Orden Nacional del Mérito y Oficial de las Artes y las Letras de la República Francesa, presenta su trabajo RED EARTH – A malian journey, un regreso a sus raíces africanas, escribiendo ella muchas de las letras de las canciones.
Aquí puede verse a Dee Dee en Mali
El disco supone un viaje iniciático a Mali que Bridgewater realiza para descubrir sus raíces africanas. La fusión de voces, música e instrumentos tradicionales de Mali con la música de jazz norteamericana autóctona, su conexión instintiva con el blues de este país africano, y su unión inexplicable hacia la tierra roja, el signo antiguo de las fuerzas de la vida y la tierra de sus ancestros, han posibilitado que Dee Dee Brigdewater culmine con este trabajo su decisión de encontrar sus raíces.
En esta foto puede verse a Dee Dee junto a Oumou Sangaré que participó en el disco.
Tracks: 01. Afro blue 5:10 02. Bad spirits (Bani) 5:47 03. Dee Dee 2:55 04. Mama don't ever go away (Mama digna sara ye) 5:38 05. Long time ago 6:47 06. Children go 'round (Demissenw) 6:05 07. The griots (Sakhodougou) 6:02 08. Oh my love (Djarabi) 6:02 09. Four women 5:22 10. No more (Bambo) 4:44 11. Red Earth (Massane Cisse) 5:15 12. Meanwhile 4:23 13. Compared to what 5:21
En la foto puede verse a algunos de los músicos que intervienen en el disco:
Sentados (izquierda a derecha): Minino Garay, Dee Dee, Cheick Tidiane Seck, Benogo Diakité, Habib ‘Dia’ Sangaré
Parados (izquierda a derecha): Edsel Gomez, Zoumana Tereta, Ira Coleman, Baba Sissoko.
Dee Dee Bridgewater - Red Earth - A Malian Journey
Ms. Bridgewater is touring with a band that includes her jazz trio along with some wonderful Malian performers. The band includes Ira Coleman on bass, Edsel Gomez on piano, Minino Garay on percussion and drums, Baba Sissoko on n'goni, Assitan Kita providing background vocals, Kabin Kouyat also on background vocals, Lansiné Kouyaté on balafon, Adama Diarra on djembé and Mamadou Cherif Soumano on kora.
With a voice that sits comfortably among the last century's greatest female jazz singers, Dee Dee Bridgewater has created a breathtaking and innovative new vision of jazz on her new album Red Earth. By retracing her Africa roots to Mali and combining the rich tradition of jazz with the equally rich African music traditions she has created a totally organic musical experience.
Dee Dee Bridgewater is first and foremost a groundbreaker, an artist whose projects have traversed the musical kaleidoscope - from traditional vocal jazz to searing scat interpretations. Unafraid and uninhibited, these attributes make her perhaps the most versatile and inspiring artist and producer of her generation. Drawing on a deep font of talent and inspiration, Bridgewater's new project, “RED EARTH - A Malian Journey," is a journey both forward and back. Melding Malian voices, music and traditional instruments with American jazz vernacular and penning many of the lyrics, Dee Dee Bridgewater has crafted one of her most important musical statements to date.
Bridgewater explains, the album is “the culmination of my decision to find my African roots. It was an idea I first had when doing Horace Silver's music, which is so syncopated and rhythmic." The resulting Grammy nominated album love and peace: A Tribute to Horace Silver solidified her resolve to further investigate African music. With the death of Ella Fitzgerald in 1996 and Dee Dee's subsequent double Grammy Award winning tribute Dear Ella, the project was put on hold. Her ensuing projects, Live At Yoshi's, This Is New, and J'ai Deux Amours, incorporated more global sounds and influences and yielded Grammy nominations for two of the albums.
Elected in 1999 as one of the United Nations' first Ambassadors for the Food and Agriculture Organization (FAO), Bridgewater was granted the unique opportunity to travel to Africa, visiting villages involved with various FAO programs. Over the years, Dee Dee amassed a library of music from Nigeria, Ivory Coast, Senegal, Congo, Benin, South Africa and Madagascar amongst others. As she narrowed her focus, one country's music came to the fore. “Whenever I heard it, I would get a jolt." Bridgewater recalls. “In the end of 2003, I started thinking it must be Mali. I had an inexplicable knowledge and ability to scat to and comprehend this rhythm and music".
However, it was not until August 2004 that Bridgewater decided to make the long-awaited trip to Mali. It was during this first voyage that Dee Dee intensely felt she had found her ancestral home. Her instinctual connection to Malian “blues", an inexplicable draw to the red earth - the ancient sign of life forces and land of her ancestors - and her amazing resemblance to the Malian tribe called 'Peul' all confirmed her suspicions, drawing her in with undeniable spiritual force.
For their first trip to Mali, Bridgewater and co-producer/husband Jean-Marie Durand enlisted the aide of Cheick Tidiane Seck, who had produced jazz pianist Hank Jones' 1995 celebrated Verve release Sarala, to serve as their musical chaperone. Seck provided a portal to the country's brightest musicians and singers and with his involvement the music began to take shape. Cheick Tidiane Seck “is responsible for the involvement of all the Malian musicians on this project, as well as selecting the traditional Malian songs," says Bridgewater. “We both agreed that the project had to have traditional Malian instruments, as we were fusing traditional Malian music with the traditions of Jazz." It was during this visit that Seck introduced Bridgewater and Durand to Malian Minister of Culture and filmmaker, Cheick Omar Sissoko, who gave the group use of an official vehicle and driver, allowing them to tour different regions and take in the culture of the country.
During a subsequent visit in August 2006, Mariam Nour, the Malian representative for the UN Food and Agriculture Organization, invited Goodwill Ambassadors Bridgewater and Oumou Sangaré to tour villages involved with local FAO programs. One village's women raise bees for honey, soap, candles and other products and run a cooperative selling these goods near Mali's capitol, Bamako. In another, a woman was lent the funds to procure livestock with the caveat that they be either sheep or goats. She purchased one sheep and ten ewes, which allowed her to breed animals that could be sold to repay the loan. She then gave a portion of the proceeds to another woman in a different village to continue the program herself. A third village's women were learning micro-agricultural irrigation practices involving square plots of land from a doctor from Haiti. Bridgewater marveled, “It was a wonderful experience, one that has irrevocably changed my life forever".
The roles and influences of women are intrinsically interwoven in Malian politics and culture. In this vein, Dee Dee wanted to bring the strong feminine aspect of Mali to Red Earth - A Malian Journey. One song, 'Bambo (No More)', composed by Tata 'Bambo' Kouyat, was so powerful that it led the government to abolish forced marriage in the 1960s. In addition to including “Bambo" on the album, Dee Dee made the conscious decision to feature female vocalists like outspoken women's rights advocate Oumou Sangaré, Ramata Diakité, rising star Mamani Keita and Fatoumata “Mama" Kouyaté, the “golden voice of Mali". Bridgewater says, “I felt such a strong sisterhood with all of these dynamic women." It was important for her to highlight this less explored part of the culture, which she feels has a distinct influence on the people and their music".
Songs “Bani (Bad spirits)", “Sakhodougou (The griots)", and “Massane Cissé (Red Earth)", which originated in the Twelfth and Thirteenth centuries, are told in the oral tradition of the 'Griots'. These time-honored storytellers of Malian and family history are charged with carrying the vocal and musical customs forward through the generations. In deference to the importance of these traditions, Bridgewater features lauded 'Griots' Kasse Mady Diabaté, up-and-coming talent Kabin Kouyaté, and musical griots Bassekou Kouyaté, Toumani Diabaté and Baba Sissoko, whom Dee Dee considers her personal “griot". In working with the 'Griot' songs, as well as some of the other songs, Dee Dee tried to remain faithful to the original story, while at times lending a more updated nuance. This is the case with “Massane Cissé (Red Earth)" and the updated Segou 'Griot' song, “Demissenw (Children go 'round)". Interspersed are original compositions “Mama digna sara ye (Mama don't ever go away)" and “Djarabi (Oh my love)".
“Jean-Marie [Durand] and I worked with Basskou Kouyat in setting up jam sessions at his house. I improvised rhythms and lyrics. “Children Go 'Round" came out of that." Four n'goni players, two percussionists and Basskou's wife, Ami Sacko improvised with Dee Dee. At Basskou's urging, Bridgewater's youngest child, son Gabriel Durand, was invited to sit in on guitar. The organic outgrowth of that experience was so successful that Bridgewater recorded the tune with Basskou's group “N'goni Ba" in one room with son Gabriel featured on guitar. “That's why it has such a different sound. Mixing it was almost impossible because everyone bled together - voices and instruments melded, but that was the original album concept. It would have been quite an undertaking to do the whole album that way, but it was great to get that one song", says Bridgewater describing the raw and honest quality of the track.
The title of the album Red Earth - A malian journey was serendipitous. On the morning of her first day in Mali, Bridgewater was overwhelmed at the view from her hotel room - red earth stretching out before her with the Niger river coursing in the distance. It reminded her of the stories her mother told her of her childhood love of rolling in the red earth of Memphis. Dee Dee pensively offers, “I'm just trying to find my voice and my reason to be. Doing this project I feel that I've found something incredible - my African roots and my home, Mali".
Dee Dee Bridgewater - "Red Earth" - Live at Jazz Open Stuttgart - 2007
Personnel: Dee Dee Bridgewater, vocals Ira Coleman, stand-up electric bass, musical director Edsel Gómez, piano Lansine Kouyaté, balafon Baba Sissoko, n'goni Adama Diarra, djembe Mamadou Cherif Soumano, kora, guitar Kabine Kouyaté, vocals Assitan Kita, vocals Minino Garay, drums, cajón, percussion
Recorded live at Jazz Open Stuttgart, Germany, July 12, 2007
Tracklist: 1. Afro blue 2. Bani (Bad spirits) 3. Footprints 4. Demissénw (Children go round) 5. Sakhodougou (The griots) 6. Massane Cissè (Red Earth) 7. Compared to what
Dee Dee Bridgewater:
Dee Dee Bridgewater (Memphis, 27 de mayo de 1950), cantante estadounidense de jazz que frecuenta también la fusión de este con otros estilos contemporáneos (pop, disco, etc.). Se trata de una de las más relevantes vocalistas femeninas desde mediados de los años noventa. Su repertorio es, básicamente, el de los estándares jazzísticos, aunque arriesga constantemente en la improvisación interpretativa, sobre todo en sus actuaciones en directo. Su voz es nítida y fuerte, con un punto de gravedad.
Actuó en Míchigan durante los años 69 y dio una gira por la Unión Soviética en 1969 con la big band de la Universidad de Illinois. Cantó con la orquesta de Thad Jones/Mel Lewis entre 1972 y 1974 y apareció en el musical de Broadway The Wiz (1974-1976). Durante mucho tiempo fue ignorada por el mundo del jazz por lo que se trasladó a Francia en los años ochenta para intentar reconducir su carrera. Apareció en el show Lady Day y en festivales de jazz europeos, y por un tiempo formó su propio grupo de acompañamiento. A finales de los ochenta, sus grabaciones para Verve empezaron a tener éxito en su país de origen. Su disco de 1995 en homenaje a Horace Silver le permitió emprender una gira por Estados Unidos que la redescubrió para la audiencia de su país. Obtuvo otro gran éxito, Grammy incluido en 1997, con su homenaje a Ella Fitzgerald.
Ha explorado en This is New (2002) las canciones de Kurt Weill, y, en su siguiente álbum J'ai deux amours (2005), los clásicos franceses.
Su álbum Red Earth, de 2007, presenta temas de inspiración africana y contribuciones de numerosos músicos de Mali.
Discografía: Afro blue (1974) Dee Dee Bridgewater (1976) Just family (1977) Bad for me (1979) Live in Paris (1986) In Montreux (live) (1990)] Keeping tradition (1992) Love and peace: A tribute to Horace Silver (1995) Dear Ella (1997) Victim of love (1998) Live at Yoshi's (2000) This is new (2002) J'ai deux amours (2005) Dee Bridgewater Vol. 2 (2006) Red Earth: A malian journey (2007)
Hace un tiempo me dio por escanear tres libros viejos, inconseguibles salvo en bibliotecas especializadas de universidades. Estos tres libros son:
_ Deserta 3: Flora popular mendocina, de Adrián Ruiz Leal
_ Las leguminosas argentinas: silvestres y cultivadas, de Arturo Burkart
_ Manual de la flora de los alrededores de Buenos Aires, de Ángel Lulio Cabrera
Particularmente los dos primeros eran libros de los que conservaba una grato recuerdo, así que un amigo me los pidió en la biblioteca de una Facultad de Ciencias Agrarias y los escaneé.
Las imágenes de escaneo las encapsulé en un archivo .cbr para cada libros, al estilo de lo que se hace con los comics, ya que al ser libros profusamente ilustrados no tenía mucho sentido hacer el ocr e intentar armar una archivo .doc.
Hace poco compañeros de este foro me pidieron resubirlos porque los links originales estaban muertos. Me he demorado porque al parecer accidentalmente los había borrado del disco duro de la pc, y no podía encontrar el cd de respaldo de los archivos. Ahora finalmente lo encontré, así que los he resubido a links badongo, vamos a ver cuánto duran:
Título en castellano: Las aventuras de Mark Twain Título en inglés: The adventures of Mark Twain Género: Animación stop-motion País: USA Año: 1985 Duración: 86 minutos Idioma: Inglés con subtítulos en castellano Director: Will Vinton Guión: Susan Shadburne Compañía: Metro Goldwyn Mayer
Aquí alguna info encontrada en la web:
Tres lustros antes de "Chicken run" ya se hizo esta película íntegramente en plastilina. Will Vinton empezó a realizar cortos de plastilina en los años 70 y fue el gran impulsor de esta técnica, influyendo a todos los que vinieron detrás.
The adventures of Mark Twain es un delirio inenarrable en el que Tom Sawyer y Huck Finn, de los libros de Twain, suben en una persecución a un barco fluvial capitaneado por el propio escritor, con el que planea volar (sí, en barco) al encuentro del cometa Halley. Toda esta historia, mezclada con fragmentos de historias de Twain.
Ingeniosa, imaginativa, inteligente, y con una excelente reputación entre los admiradores de Mark Twain que ven muy bien reflejado el humor, en el fondo durísimo y terriblemente negro, del gran escritor.
La animación de plastilina es de un estilo considerablemente diferente al de Aardman y absolutamente logrado, con unas interpretaciones memorables. En definitiva, una de las grandes películas totalmente desconocidas de la animación universal.
"The adventures of Mark Twain", es una película que data de los años 80’ y que dirigiera el norteamericano Will Vinton, uno de los grandes maestros de la animación con plastilina, quien firmó con este el único largometraje, hasta el momento, al menos, de su carrera, tras ganar el Oscar al mejor corto animado en 1975, y estar nominado para dicho premio varias veces más. Dejando a un lado el apartado técnico y visual, decididamente impresionante, puesto que Vinton y los suyos alcanzaron cotas de auténtico virtuosismo con esta película, en la que todo, absolutamente todo, está hecho de plastilina (lo cual incluye cosas como el agua, las nubes, o el mismísimo cometa Halley, pieza clave del argumento), y primorosamente animado en consecuencia, lo cierto es que la peli me ha encantado, al ser un hermoso y sentido homenaje, en forma de cinta juvenil, a la persona y la obra de Mark Twain, hecho, bien que se nota, con un tremendo cariño, y desde la más profunda admiración.
El propio Mark Twain, cuyos diálogos en la película se adivinan escritos en gran parte a base de citas suyas, actúa como protagonista de la historia; de hecho, junto a algunas de sus criaturas, como el joven Tom Sawyer, Huckleberry Finn y la amiga de ambos, Becky Thatcher, quienes se embarcan accidentalmente en el globo aéreo con el que el escritor pretende alcanzar el cometa Halley, para poner fin a su vida del mismo modo en que la empezó, esto es, en su compañía, ya que nació, según se cuenta en la película, en 1835, fecha en la que el citado cometa pasó junto a la Tierra, y falleció, 75 años más tarde, en 1910, la siguiente vez que el cometa y nuestro planeta se volvieron a cruzar, fieles a su periódica cita en medio del Cosmos, y puntuales como un reloj.
Un fantástico y alocado viaje durante el cual los tres chavales tendrán oportunidad de conocer un poco mejor al famoso literato norteamericano, así como algunas otras de sus obras, que se adaptan, total o parcialmente, a lo largo del film, intercalando tales fragmentos con la historia principal (así sucede, por ejemplo, con el primer cuento que escribiera, según la cinta, Mark Twain, "La célebre rana saltarina del distrito de Calaveras", o con otras creaciones suyas, tales como la inquietante "El forastero misterioso", la desternillante "Diario de Adán y Eva", o la también satírica "Diario del Capitán Stormfield".
Quede recomendada, pues, esta auténtica delicia de peli, tanto para los amantes de la animación con plastilina, que se darán con ella un verdadero festín, como para los seguidores de Mark Twain, que asistirán al verla, como decía antes, a un hermoso homenaje cuidadosamente preparado y realizado en honor del genial escritor, tan emotivo, desde mi punto de vista, como inteligente y divertido.
Increíble largometraje de animación con plastilina y que resulta en un desbordante ejercicio de inteligencia y creatividad como probablemente sólo podría ser viniendo de un gran animador. Posee episodios absolutamente fascinantes como "The diary of Adam and Eve"... entre otros que hacen de la probable barrera lingüística una nimiedad... visualmente atractiva y técnicamente magnífica. Encarecidamente recomendada.
«Podríamos ponerle a este album la etiqueta de "retro-emo-core-cántico-populare", pero bueno, como aun no se nos ha subido la historia a la cabeza, diremos que con ese engendro calificativo queda medianamente definido este original proyecto, aunque ellos mismos en su propia web (http://www.lesanarchistes.com") se han dado en llamar electro nu-folk o electro combat-folk. Se trata pues, básicamente, de una revisión y puesta de actualidad, meramente en lo formal claro, de las canciones anarquistas y libertarias del siglo pasado a través de las nuevas tecnologías musicales. Se toma una base de letras y proclamas que se aderezan con un poco de indietronica, new jazz electrónico, el rock mas avanzado y unas esencias de música étnica, y con todo esto se consigue a veces un genial y compacto producto en canciones como por ejemplo "su fratelli pugnamo da forti" o "Les anarchistes", aunque en otras el exceso de alguno de los componentes lleva al fracaso o al galimatías, como es el caso de "Tammurriata delle mondine" donde unas voces chamánicas hacen de ésta, una canción digna de una producción tipo Enigma o Spirit, o las demasiado jazzísticas para nuestros gustos "Un bolero per Goliardo", "Dai monti di Carrara" o "The mask of anarchy", donde el saxo y el free jazz nos satura bastante a pesar de ser magníficas composiciones, e incluso la excesivamente discotequera "Battan l'otto". Sin embargo, en las más cercanas a la esencia original, donde las voces están apoyadas por un entorno no demasiado agobiante, brillan con esplendor las frases que fácilmente nos evocan esas imágenes mudas de lucha y miseria en blanco y negro. Este es el caso de la rockera "Sante Caserio" o la propia versión de "Les anarchistes" de Léo Ferré, casi provocan que te entren ganas de salir a la calle a protestar por algo, o incluso de leer a Marx... Son además en los pasajes mas sosegados como en "Il galeone", "Tu non dici mai niente" o la voz femenina en "Il tuo stile", donde consiguen, a nuestro entender, sintetizar el espíritu de la idea. Luego tenemos las más etnicas, folkies o world-music, como "Un di' discenderemo" con presencia de guitarras acústicas, los violines de "Lacrime 'e cundannate" o la casi Jethro Tull "O Gorizia tu sei maledetta". Cerrándose el trabajo con la postrera "Un bolero per Goliardo" donde la presencia jazz va in-crescendo en plena voragine que nos aboca a la proclama final.
En resumen, una propuesta como mínimo original, a pesar de basarse en "fusilar" literalmente algo tan antiguo y utópico como la lucha por la jornada laboral de "n" horas (donde "n" siempre es mayor estricto de 8), que a tenor de nuestros delicados gustos solo tiene el fallo de un exceso de jazz en casi todos los cortes, pero con lo que tenemos que transigir puesto que se trata de recrear el sonido de la época, con sonidos analógicos de viejos sintetizadores, saxo, trombones y flautas en libres improvisaciones al mas puro estilo free jazz de los 40.
Así pues, esta original proposición, producida por Nicola Toscano y Max Guerrero recibió entre otros el prestigioso "Premio Ciampi" al mejor álbum de debut del año 2002. Por ello, dejamos en sus propias palabras la definición exacta de este proyecto: "...¿Cómo podemos definir nuestra música? No lo sabemos y de hecho no nos importa. El canto de las multitudes es realmente lo que nos importa, piezas de la historia cantadas a oídos sordos, melodías cristalinas que ocupan sonidos desconocidos... y la eterna memoria de Léo Ferré que dio nombre a este proyecto".» (nadadora)
«Figli di origine oscura non è una semplice rilettura di canti anarchici; siamo su di un altro piano, in una dimensione che supera i precedenti tentativi di reinterpretare la tradizione di matrice libertaria, fino a questo momento poco ricettiva nei confronti di un suono non conservatore. Merito de Les Anarchistes, il cui lavoro ha aggiornato il “vissuto anarchico” in un contesto nuovo, nel quale l'ammeticciamento degli arrangiamenti assume un ruolo assolutamente capitale. Il collettivo toscano centrifuga il rock con il free-jazz, l'elettronica, il folk. E il risultato è stupefacente: dimenticate i vecchi (e rispettabili, sia chiaro) stilemi della canzone italiana anarchica – cioè chitarra acustica e via ad urlare di rabbia – perché Les Anarchistes hanno scelto una formula tesa a privilegiare una struttura aperta a sonorità che con la tradizione hanno poco a che spartire. I vecchi canti assumono una veste nuova, e certe cose come "Su fratelli pugnamo da forti", "O Gorizia tu sei maledetta", sono rilette con l'intenzione di farle (ri)vivere con uno spirito 'altro', pur continuando a tenere alto il valore di testi la cui attualità continua a rimanere viva. Il cd, nel suo esplicito elogio all'anarchismo, riesce, comunque, a non limitare la sua forma espressiva al solo campo politico-insurrezionale: con "Les anarchistes", "Tu non dici mai niente", "Il tuo stile" (queste ultime due riprese recentemente anche dai Têtes de Bois), i toscani omaggiano un grande come Leo Ferrè, mentre il testo di "The mask of anarchy" è tratto, nientedimeno, da due poesie del visionario Blake e del romantico Shelley. Preziose le collaborazioni: Raiz degli Almamegretta, il fisarmonicista Antonello Salis e Blaine L. Reininger dei Tuxedomoon e […] altri. […] Si sentiva il bisogno di un disco come questo, per la sua passione, il suo sentimento, il suo ardore. […] Les Anarchistes non sanno cosa sia la retorica: lo scopo della band sembra quello di offrire ulteriori motivi per non dimenticare che esistono altri modi di vedere il mondo. Dire che ci riescono bene, è sin troppo limitativo.» (Rockit)
Tracce di Figli di origine oscura 01. Tammurriata delle mondine 02. Sante Caserio 03. Il galeone 04. Battan l'otto 05. Lacrime 'e cundannate (per Sacco e Vanzetti) 06. Su fratelli pugnamo da forti (per Carlo Giuliani) 07. The mask of anarchy 08. Les anarchistes 09. Tu non dici mai niente 10. Il tuo stile 11. Dai monti di Carrara 12. Un dì discenderemo 13. O Gorizia tu sei maledetta 14. Un bolero per Goliardo
Tracks: 01 Muss es sein? Es muss sein! 02 Inno a Oberdan 03 Fuochi di parole 04 Ballata dell’emigrazione 05 A las barricadas 06 Pedro Benje 07 Pishku li 08 The ballad of Sacco & Vanzetti 09 Il bagno alla bianca 10 Apua natia 11 Il Maggio di Belgrado 12 X-ray Sun 13 Nel giardino incolto 14 Radio Libertaire 15 La musica nelle strade!
Lucariello (Almamegretta) – vocals on “Inno dei lavoratori” Paola Angeli – bass clarinet on “Già allo sguardo” Danilo Grandi – double bass on “Sante Caserio”
Tracks: 01 Inno del primo maggio (P. Gori) 02 Addio a Lugano (P. Gori) 03 Sante Caserio (P. Gori) 04 Solo un bandido (N. Toscano-M.Gurrieri) 05 Amore ribelle (P. Gori) 06 Già allo sguardo (P. Gori) 07 Stornelli d’esilio (P. Gori) 08 L’estaca (Lluis Llach) 09 Inno dei lavoratori del mare (P. Gori) 10 Stornelli elbani (P. Gori)
Pietro Gori (14 August 1865 - 8 January 1911) fue un abogado italiano, periodista, intelectual, y poeta anarquista. Se lo conoce por sus actividades políticas y como autor de algunas de las más famosas canciones anarquistas del siglo 19, incluyendo Addio a Lugano ("Farewell to Lugano", Stornelli d'esilio ("Exile songs", Ballata per Sante Caserio ("Ballad for Sante Geronimo Caserio".
Violetas Imperiales -Carmen Sevilla y Luis Mariano - Año 1952 - DVDRip
Estuve buscando esta película a pedido de un familiar y la encontré en el site de vagos.es posteada por anluseba. Aunque yo no soy muy fan de este tipo de películas, da ganas de verla por la excepcional calidad de video y de audio, teniendo en cuenta la fecha de su realización (1952). Por supuesto debe haber sido restaurada.
Se pueden combinar las descargas en los dos servidores.
Datos de la película:
Género: Romántico, Musical País: España y Francia Año: 1952 Duración: 93 minutos Idioma: Castellano Director: Richard Pottier y Fortunato Bernal Guión: Henry Roussell, Marc-Gilbert Sauvajon, y J. M. Arozamena Música: Francisco López Intérpretes: Carmen Sevilla, Luis Mariano, y Simone Valere
Sinopsis: Violeta Cortés es una popular vendedora de flores del Albaicín que, durante un paseo por el Sacromonte, lee la mano de la joven Eugenia de Montijo, a quien predice que algun día será emperatriz. Por la noche Violeta, que canta y baila en un colmao, conoce a Juan de Ayala, el primo de Eugenia, quien pretende cortejarla a pesar de saber que entre un señor y una gitana no puede surgir nada.
Dias más tarde, Juan de Ayala acompaña a su prima y a su tía a París, donde el vaticinio de Violeta se cumple cuando Eugenia se casa con Napoleón, convirtiéndose asi en emperatriz de Francia. Como agradecimiento, la soberana convierte a la gitanilla en su dama de compañía. Este hecho será aprovechado por don Juan para poder conocer más a fondo a la hermosa violetera.
La opereta más conocida de cuantas protagonizaron conjuntamente Luis Mariano y Carmen Sevilla, esta última en el papel de una alegre gitana que llegará a predecir su futura condición de reina a la mismísima Eugenia de Montijo. Una trama melodramática servía de mero pretexto para la inserción de segmentos musicales para lucimiento de la pareja estelar.
Está dirigida por el francés Richard Pottier, aunque por cuestiones legales, en la versión espanola apareció como co-director Fortunato Bernal, que en realidad era el ayudante de dirección.
En este post quiero compartir este minirelato de Holst, tan "substancioso" que pesa más, a mi gusto, que muchos libracos de más de 1000 páginas (parece estar de onda en algunas tendencias literarias escribir tremendos libros sin mayor substancia, que no vale la pena leer).
Saludos. Silencio brillante
de Spencer Holst Traducción de Mariano Ducros
Dos osos blancos viajaban con un pequeño circo. Todas las noches, los dos osos aparecían empujando un carro. Los dos osos habían sido adiestrados para dar vueltas mortales, para hacer trompos, para hacer la vertical y para danzar sobre sus patas traseras, agarrados de la mano, dando los pasos al mismo tiempo. Los osos danzantes, un macho y una hembra, pronto se convirtieron en los favoritos de la multitud.
El circo viajó al sur en un tour por la costa oeste que atravesó Canadá hasta California y de ahí hacia abajo llegando a Méjico; recorrió Panamá hasta América del Sur, bajó por los Andes pasando por Chile hasta las islas australes de Tierra del Fuego.
Un día un jaguar se lanzo sobre el presentador, el dueño del circo, y después lastimo mortalmente al domador. El público se disperso alarmado y horrorizado. En la confusión los osos se escaparon. Sin amo, vagaron por su cuenta por las boscosas y ventosas islas subantárticas. Absolutamente solos, en una isla deshabitada, y en un clima que les resultaba ideal, los osos se aparearon, se multiplicaron y después de unas cuantas generaciones poblaron la isla entera. En realidad, después de algunos años, los descendientes de los dos osos se trasladaron a más de la mitad de las doce islas vecinas; y setenta años más tarde, cuando los científicos finalmente los hallaron y comenzaron a estudiar su comportamiento, se descubrió que todos ellos realizaban espléndidas acrobacias de circo.
En las noches cuando el cielo es brillante y hay Luna llena, se reúnen a danzar: los cachorros en el medio y los más jóvenes, alrededor, formando un círculo. Permanecen todos juntos fuera del alcance del viento en el centro de un centelleante cráter hecho por un meteorito que cayó en un lecho de arcilla. Las espejadas paredes son de arcilla blanca. El suelo, liso, esta cubierto de grava blanca y es seco. Ninguna clase de vegetación crece allí adentro.
Cuando la Luna se eleva sobre el cráter, la luz que se refleja en las paredes llena el lugar con el agua de Luna. El piso del cráter, entonces, es más brillante que cualquier otra cosa cercana. Los científicos especulan que originalmente la Luna llena pudo haberles hecho acordar a los dos osos las luces del circo y por esa razón comenzaron a danzar. ¿Sin embargo, habría que preguntarse, qué música es la que bailan los descendientes de los dos osos blancos?
Agarrados de la mano, danzando juntos... ¿Qué música podrían escuchar dentro de sus cabezas mientras bailan bajo la Luna llena y la aurora austral, mientras danzan en un brillante silencio?
El Coro Chelaalapi (Bandada de zorzales) fue creado en el año 1962 por la iniciativa de la Sra. Inés García de Márquez en el ámbito de la Escuela del Barrio Toba de la Provincia del Chaco. El grupo étnico qon (Toba) en esta Provincia es el más numeroso, realizan varias actividades y mantienen su característico trabajo de artesanía tradicional, constituyendo su comercialización una fuente de ingresos de suma importancia.
Los tobas son una etnia del grupo pámpido que habita en el Gran Chaco. Actualmente, las principales agrupaciones de este pueblo se encuentran en el este del departamento de Tarija (Bolivia); en el este de la provincia de Formosa, el centro y este de la provincia del Chaco, y el norte de la provincia de Santa Fe (Argentina), y en el Chaco Boreal del Paraguay.
Como típicos pámpidos, se caracterizan por sus elevadas tallas y por predominar entre ellos los individuos dolicocéfalos.
Su cultura era funcional a sus costumbres y tradiciones: vivían en habitaciones de leños recubiertas de paja, habitáculos que solían medir unos dos metros de diámetro. Fabricaban objetos de cerámica, cestería y tejidos con finalidad principalmente utilitaria. Durante los meses cálidos casi no usaban vestimenta a excepción de simples taparrabos.
Por su sistema de creencias se les ha calificado de animistas y chamanistas. Poseían un culto a los seres de la Naturaleza y la creencia en una divinidad máxima.
El censo de inicios de 2001 daba una cifra de 60.000 argentinos que se consideraban integrantes de esta etnia, en su mayoría habitando la provincia del Chaco. Como otros pueblos originarios argentinos, los tobas se están acriollando.
Los que se mantienen en sus territorios ancestrales viven generalmente constituyendo comunidades rurales regidas por comisiones vecinales, asociaciones comunitarias o con líderes (mal llamados caciques) elegidos democráticamente por la comunidad.
Cultivan pequeñas parcelas o son peones temporarios para faenas rurales (hacheros, cosechadores de algodón, etc.); otra forma en que obtienen recursos es en la elaboración de interesantes artesanías de cerámica, guayacán, o fibras textiles.
Sin embargo muchos de ellos se han visto forzados a migrar a las ciudades. En los núcleos urbanos, casi en su totalidad viven en las zonas económicamente más deprimidas.
Desde el año 1962, en que se constituyó formalmente el coro, las voces del monte trascienden el Chaco, viajan por la Argentina, y también cruzan al Paraguay y Brasil. Resistidos por los más ancianos hasta hace una década (temían que el llevar el canto más allá de los límites del pueblo permitiera al blanco revelar su conocimiento ancestral y quebrarlos espiritualmente) ellos avanzaron con su "misión", difundiendo cantos ancestrales -que llevan siglos entonándose en el monte- y nuevas composiciones -que hablan de la desaparición de ese monte y de los cambios producidos en su cultura. Suman dos discos en su haber: Bandada de Zorzales y Chigioyi (Espíritu del Monte).
Chigioyi (Espíritu del monte) - 2004
Grabado en Octubre de 2004, este disco descubre las sonoridades del pueblo toba. Un disco único e inconseguible.
Este CD es un trabajo que plasma el proyecto llevado adelante por esta comunidad originaria, ofreciendo testimonio de un espacio cultural aun negado por los mismos integrantes de una sociedad "plural" que siempre mira para otros lugares.
Tracks: 01. Norec (El fuego) 02. L'onec Ana Alhuá (Canta la Tierra) 03. Qapa'Apolec (Pájaro del monte) 04. Nayalguiyic (La risa) 05. Malagaic (Lagartija) 06. Hamap (Fermento) 07. Ipiagaic (El mariscador) 08. Checniac (Cañaveral) 09. N'aqoñolé (La vasija) 10. Kaataqí (El bombo) 11. Ipiagai Aso Alo (La mujer cazadora) 12. Hagay Igiyactolé (El lamento de la madre) 13. Meguesoxoshi (Cacique) 14. Negotshec (La juventud)
El disco no está completo. Sólo están los temas disponibles en la web del grupo más un bonus track: el tema "Antiguo dueño de las flechas" interpretado por Los Arroyeños en los años 70 del siglo pasado.
Tracks: 01-Antiguo dueño de las flechas-Indio Toba-Intro 02-Antiguo dueño de las flechas-Indio Toba 03-Bonus track-Antiguo dueño de las flechas-Los Arroyeños 04-Flor de lapacho-Aia-e laogo-Intro 05-Flor de lapacho-Aia-e laogo 06-Espinillo-Dapigueen-Intro 07-Espinillo-Dapigueen 08-Danza de la amistad-Intro 09-Danza de la amistad
Antiguo dueño de las flechas Música de Ariel Ramírez y letra de Félix Luna
Indio toba, sombra errante de la selva, pobre toba reducido, dueño antiguo de las flechas.
Indio toba, ya se han ido tus caciques, tus hermanos chirihuanos, abipones, mocovies . . .
Sombra de koktá y nohuete, viejos brujos de los montes no abandonen a sus hijos, gente buena, gente pobre . . .
Indio toba, el guazuncho y las corzuelas, la nobleza del quebracho, todo es tuyo y las estrellas.
Indio toba ya viniendo de la Cangayé, Quitillipi, Aviaterai, Caguazú, Charadai, Guaicurú, Taponagá, Pirané, Samuhú, Natará, Guacará, Pinaltá, Natará, Guacará, Pinaltá...
Indio toba no llorando aquel tiempo feliz, Pilcomayos y Bermejos llorando por mi, campamento de mi raza la America es. De mi raza de yaguarete es la america, es . . .
Toba dueño como antes del bagre y la miel, cazador de las charatas, la onza, el tatú. Toba rey de yararás, guazupú y aguarás, el Gualamba ya es mio otra vez, otra vez, otra vez . . .
Miguel Abuelo - Buen día día - 1984 - Reedición 2006
Miguel Ángel Peralta conocido como Miguel Abuelo nació el 21 de marzo de 1946 y fue uno de los pioneros del género. Poeta, cantautor, y trovador comenzó interpretando canciones folklóricas en las peñas junto a su hermana, cantando zambas, bagualas, y vidalas, hasta que a principios de los 60 conoce a Pipo Lernoud, alquila una habitación en la pensión Norte, y comienza a vincularse con la música joven a través de Moris y Pajarito Zaguri que formaban Los Beatnik. Como habitué de la Cueva conoce a Tanguito, Litto Nebbia, y Javier Martínez, hasta que en 1967 de manera completamente casual, aunque las casualidades no existen, Ben Molar le ofrece grabar luego de que le preguntara si tenia un grupo de música y este sin titubear le dijo que si y que se llamaban Los Abuelos de la Nada, aunque este grupo estaba sólo en la cabeza de Miguel dado que no existía. Inmediatamente salen a buscar músicos y graban el primer simple para CBS. Luego de grabar otros simples como solista para el sello Mandioca, Miguel viaja a Europa donde edita luego de un tiempo un disco en Francia: "Miguel Abuelo Et Nada". A su regreso a la Argentina a principios de la década del ochenta tentado por Cachorro López vuelve a rearmar Los Abuelos de la Nada con una formación completamente distinta a la original pero mucho más sólida con la cual obtuvo el éxito y el reconocimiento merecido.
En 1984 sin abandonar a los Abuelos de la Nada vuelve a grabar un disco solista llamado "Buen dia dia", que fue editado en 1985 y que contó con un verdadero seleccionado de invitados. Sin la difusión necesaria y opacado por las actuaciones con su conjunto que se encontraba en la cresta de la ola, Miguel no pudo presentar su material solista y el disco paso prácticamente sin pena ni gloria. Del mismo se destacan “La balsa” el tema de Los Gatos, “Mariposas de madera”, que canto junto a su hijo y pertenecía al repertorio de la primer época de Miguel, y dos canciones que quedaron grabadas en Francia. Otro de los temas destacados era el tema "Días de Kubero Díaz" en un claro homenaje a su amigo de la Cofradía Kubero Díaz.
Una vez disueltos "Los Abuelos..." denominó a su nuevo grupo "Miguel Abuelo en Banda". Lamentablemente murió de sida el 26 de marzo de 1988.
Artistas que participan en el disco:
Miguel Abuelo, Andrés Calamaro, Miguel Cantilo, Gato Azul, Polo Corbella, Denis Coutard, Fernando Dahini, Juan Del Barrio, Alfredo Desiata, Osvaldo Fattoruso, Chocolate Fogo, Horacio Fontova, Claudio Gabis, Rene Greco, Gringui Herrera, Fito Paez, Piero, Diego Rapoport, Beto Satragni, Daniel Melingo, Ricardo Olharte, Cachorro López, Christian Laurellia, Carlos Johannas, Rubén Izarrualde, y Gustavo Gaveta.
Ficha técnica:
Grabado en estudios Panda Ingeniero de grabación: Mario Breuer y Oscar Magarinño Asistentes: Chocolate Fogo y Pablo Daniel Martin Diseño: Carlos Mayo y Rubén Vázquez Fotos: José Luis Perotta
Tracklist: 01-La balsa 02-Pica mi caballo 03-La mujer barbuda 04-Americano soy del Sur 05-Apúrate Josefina 06-Verili 07-Días de Kuberito Díaz 08-Va Silvestre bajo el Sol 09-Mariposas de madera 10-Buen día, día
Buen día, día. Día, buen día. Buen día, perro, mujer buen día. Arbol buen día, señor buen día. Buen día, hijo, hermano buen día. Buen día, dia. día, buen día. Soy todos tus olvidos y de todos tus olvidos aparece mi alimento.
Aqui tu libertad, aqui tu intención apelmazada de ser pájaro. Aqui la piedra de tu risa. Aqui... mi boca arriba y gritando Buen día, a todo lo que pasa. Yo soy el que da rota de tu paso olvidado. Aquel que te camina, descalzo entre tus pasos. Nada sé, no. Nada sé...
Buen día, día. día, buen día. Buen día, sol, soles buen día. Tontos buen día, señora buen día. Buen día, aire, luna buen día. Aqui tu libertad, aqui tu intención apelmazada de ser pájaro. Aqui la piedra de tu risa, aqui mi boca arriba gritando: Buen día, a todo lo que pasa.
Juntos cavaremos hasta la superficie de mi tierra. Tu dolor es amor transformándose en mundo y una caja es mi cuerpo donde el dolor no cesa. Adentro mío; Escarba hoy en tu mano tratando de ubicarte en la cima. Embelesate ahora que estas vivo. Este mundo era ya una loqueria. Vamos...adelante. Llevaras todo junto, llanura y vegetal entrelazado. Agua sobre fuego y fuego bajo tierra. Sé bien que tus coros se pondrán contentos.
Vamos...adelante. Que suba lo que crece. Lo que se fue se vaya. Aqui voy yo. El que río y río bajo y sobre las vertientes. Aqui voy yo, el que tentó al amigo. Oíd, oíd, que hermoso ría que suena en tí llamando, humano, humano, humano...
El pensamiento corre, el cuerpo baila. Los ojos iluminan. La voz llega y escapa. Por que trastocar la lozanía que hay en tu alma? Ah! La estridente coraza. Oh! La enfrascadora jornada. Brindo contigo, Holderlin. Por lo gratis, al bendición etérea. Y oíganse las manos serviciales. La tares del amor, creativo y fraternal.
Buen día, remanso, tempestad buen día. Buen día, ruta, muerte buen día. Buen día, día. Ey! Y si hubieras contraido compromiso con la muerte? Y si hubieras muerto acaso? Peleando o creyendo. O intentando escaleras para atrapar las espaldas del cielo? Hubieras llevado gloria hacia allá (hacia desde donde ya no se vuelve) Pero también, hubieras dejado fábula, utopía y polvo entre mis cofrades mortales.
Pobre eres si no llevas repletas las arcas de tu corazón. Idiota perdido aquel que no se reconozca en un odio insensato. Que imbécil no verá su pasión mas desjuiciada. Y que clase de rico será quien no lleve todo junto y en un solo puño la psiquis y el latido de su pueblo.
Buen día, dia. día buen día. Buen día estrella, humildes buen día. Buen día cerca, lejos buen día. Buen día, buenos locos buen día. Buen día, mañana. Traición buen día. Del ultimo sueño vengo, del ultimo sueño soñado. Han caído cortezas de mí. Imperios han venido y desaparecido. He comido el pan de la locura. He sido cuerpos de otros cuerpos y me he despertado en fiestas y caídas.
He sido celoso como mi ángel guardián y paciente como las arañas. Tanto he dormido en el azul barro del invierno como he vuelto desde la blanca luz de los ciegos del mundo desierto entre cactus, reptiles y minerales. Buen día, dia. día, buen día. Mi joven realidad ya no se busca en los reflejos de un espejo astillado. No quiero ser un barco anclado sobre un río tormentoso.
¡He venido a mover y darle marcha a la fanfarria! me fecunda la música que tonifica el cura. Los poetas me acusan de deber ser valiente. Las artes para siempre, las musas sin cadenas. Huelo, como vino, juego. Me recuesto cara al cielo. y mi reposo goza en la paz de cada origen.
Buen día, dia. Adiós barcos anclados sobre torrentosas aguas. Adiós espejos astillados. No nosotros, regocijo del rocío sobre narices esplendidas. No, no, no, no nosotros elásticos elebradores de deseos. Buen día, dia. Buen día, futuro venturoso. Buen día, dia.
La música de Mauritania en general es poco difundida y difícil de encontrar en la web. Dunya, un disco de Malouma fue lo primero que escuché de música de Mauritania; después encontré los discos de Dimi Mint Abba y Ooleya Mint Amartichitt, y hace poco las cintas Guelmin. Esta música, muy particular suena un tanto extraña para oídos acostumbrados a músicas europeas o americanas, o incluso World music más "ligera".
Al poco tiempo de escucharla por primera vez me enganché mucho con esta música y hoy tengo una particular preferencia por ella. Las voces femeninas entonando cantos de plegaria son muy potentes y transmiten una singular emotividad. Los tidinit y las guitarras eléctricas se ejecutan con gran maestría y virtusismo. Los "medeh" o plegarias de las comunidades haratines en las que se alternan voces solistas con coros acompañados de percusión son bellos (destaco particularmente el tema 12 del compilado).
Algo que desconocía y me ha parecido apreciar después de escuchar la música mauritana que se encuentra disponible en la web, es una relación o parentesco entre la música mauritana y el flamenco español. Y puede ser que sea así ya que tanto Mauritania como buena parte de España integraron en el pasado el imperio almorávide.
La música de Mauritania parece clasificarse en distintos modos y formas con reglas complejas y que no he llegado interpretar claramente por contar con poca información así que no avanzo más en el tema. Recomiendo simplemente disfrutar de la música, dejando las consideraciones relativas a modos musicales a eruditos en estos temas.
El compilado "Panorama de la música de Mauritania", con una selección de temas de grandes intérpretes de Mauritania, está archivado en .rar y puede descargarse aquí:
El amigo AmbroseBierce me informa que al descomprimir el compilado los temas 1 y 16 presentan error de crc, así que aquí pueden descargarse estos dos temas para completar el compilado:
01-Momma Mint Dendenni & Seddoum Ould Bowba Jiddou 02-Mauritania my beloved country - Khalifa Ould Eide & Dimi Mint Abba 03-Ashabab yidie shabab aldual - Dimi Mint Abba 04-Mema - Ooleya Mint Amartichitt 05-A rabeta el housni - Nema Mint Choueck 06-Regardez comme ça penche - Ensemble El-Moukhadrami 07-Idoumou Ould Jheich Ould Abba Guera 08-Hammadi Ould Nana 09-Sidi Ould Seymali Ould Hamed Vall 10-Nora Mint Seymali Ould Hamed Vall & Jheich Ould Chighaly 11-Mode Lebtayt - Ouezn - Le sentiment divers - Moudou Ould Mattalla & The Singers Of El Mouna 12-Yargeite Ould Mokhtar 13-Eboya Ould Vly 14-Seinimet heiba - Ely Ould Meïddah 15-Karr n'temass - Badi Ould Hambara & His Group 16-Vagho tenediouga - Ahmedou Ould Meïddah 17-Char'aa - Malouma 18-Ya moulana - Sedoum Ehl Aida 19-Koultouleili - khalett la - Aicha Mint Chighaly 20-Amnat Azawan
Intérpretes:
01 - Momma Mint Dendenni & Seddoum Ould Bowba Jiddou
Este tema, del que no tengo el nombre, y que he seleccionado como inicio de la compilación es el primero de la cinta Guelmin "Noujoum Taarab El Mauritanie". El tema es copado y de gran virtusismo tanto en el canto de Momma Mint Dendeni como en el acompañamiento "eléctrico" de Seddoum Ould Bowba Jiddou. Un temazo.
02 - Mauritania my beloved country - Khalifa Ould Eide & Dimi Mint Abba
Este es un tema muy bonito, por lo que parece de características patrióticas en que brilla la voz de Dimi Mint Abba y la guitarra eléctrica de Khalifa Ould Eide. Están acompañados en coros por Fairuz Mint Seymali (hija de Dimi) y Garmi Mint Abba que probablemente sea hermana de Dimi.
El disco completo, Moorish music from Mauritania de 1990, se puede encontrar aquí, en un link del blog folkmusicSMB:
Parece ser que Ali farka Touré recomendó a World circuit la grabación de este disco de Dimi Mint Abba y Khalifa Ould Eide.
03 - Ashabab yidie shabab aldual - Dimi Mint Abba
Dimi Mint Abba es una de las cantantes mauritanas más conocida, debido entre otras cosas a los dos discos que grabó a principos de los 90 del siglo pasado: para World circuit el primero y para Auvidis Ethnic el segundo.
Este tema es el treceavo del compilado "Sahara (gathering sand and dust)" que se puede encontrar aquí:
06 - Regardez comme ça penche - Ensemble El-Moukhadrami
Aquí podemos escuchar cantos de griots, alternando la voz fenmenina con la voz masculina, acompañados de percusión y tidinit.
El disco completo, Mauritanie: Songs of the griots de 1993, publicado por el Institut du Monde Arabe, se puede encontrar aquí, en un link del blog coleção de sons:
En este track Idomou Ould Jheich Ould Abba interpreta en el tidinit el ritmo "Guera" de Atar. Un temazo con muchísima potencia que da una muestra particularmente virtuosa de las posibilidades musicales del tidinit.
Este tema y los tres siguientes se pueden encontrar en el blog: "Voice of America: African music treasures" aquí:
Hammadi Ould Nana parece haber sido uno de los primeros músicos mauritanos en incorporar la guitarra eléctrica a la música de Mauritania. En este tema, de nombre desconocido, puede apreciarse su virtusismo como intérprete.
Este tema, de nombre desconocido, se puede encontrar en el blog: "Voice of America: African music treasures" aquí:
10-Nora Mint Seymali Ould Hamed Vall & Jheich Ould Chighaly
En este track, de nombre desconocido, puede escucharse la voz de Nora Mint Seymali Ould Hamed Vall acompañada en guitarra eléctrica por su marido Jheich Ould Chighaly.
Este tema se puede encontrar en el blog: "Voice of America: African music treasures" aquí:
Después de escuchar a varias de las más bellas voces femeninas de Mauritania y a algunos de los virtusos del tidinit y de la guitarra eléctrica llegamos a la música de los Haratines. Haratin (moros negros) es un término con connotaciones negativas, según wikipedia, que se aplica a las poblaciones negras de los oasis en Mauritania y otras partes del noroeste de Africa. Son poblaciones nómadas, alejadas de los centros urbanos, que durante el día pastorean y en las noches se reúnen convirtiéndose los pastores en músicos destacados. No cantan para las clases superiores de la sociedad mauritana (como es el caso de los griots, iggawin) sino que entonan las "medeh" plegarias al profeta. Estos registros relizados "in situ" documentan la música de estas poblaciones y son los más "étnicos" de los presentados en esta compilación. Los nombres de estos tracks identifican a un miembro destacado del grupo de cantantes de "medeh".
El disco completo, Le Medeh par les Haratines de Mauritanie de 1998, encontrado en SFRP, se puede encontrar aquí:
Esta es a mi gusto la canción más bonita de Malouma. Los discos de Malouma parecen haberse distribuido muy bien en los circuitos de consumidores de World music, por lo que creo que ha llegado a ser bastante conocida fuera de Mauritania.
El disco completo, Dunya de 2004, se puede encontrar aquí, en links del blog babeblogue:
Este tema, del que no tengo el nombre, y que he seleccionado como final de la compilación es el primero de la primera cinta Guelmin. El tema es muy movido, casi bailantero se diría, probablemente influenciado por la música latina, centroamericana.
